perso nel mondo del cinema

Anche in Francia i giovani non trovano lavoro..

2012-01-27T10:00:00.000+01:00

D'amour etd'eau fraîche

di Isabelle Czajka

Francia, 2010

con Anaïs Demoustier, Pio Marmaï

Lo puoi vedere in straming sottotitolato qua: My French Film Festival

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TRAMA

Si può vivere solo d’amore e d’acquafresca?

No, bisogna lavorare ed è quello che cercadi fare la protagonista , una 23enne laureata con massimo dei voti in scienzedella comunicazione, che non riesce a trovare un lavoro in cui possa sfruttarele proprie capacità e quindi cambia continuamente impiego. Anche la sua vitasentimentale non è delle migliori: va a letto con uomini molto più vecchi dilei, mai per vero amore.

Finché non incontra un giovane che vive dipiccoli espedienti e la invita a passare con lui un po’ di tempo nel Sud. Inizialmenterifiuta, poi dopo aver litigato con i familiari.

RECENSIONE

Film diviso esattamente in due parti: laprima, ambientata a Parigi è una riuscita rappresentazione del condivisibile "disagio generazionale" dei ventenni di oggi alle prese con le difficoltà di trovare un lavoro soddisfacente,di mantenersi, di seguire o non seguire le orme dei genitori per crearsi unapropria identità.

Sfortunatamente la trasferta campestre checorrisponde alla seconda parte della pellicola perde completamente ritmo,mordente e movente, infarinando sesso, crimini e noia (dei personaggi e dellospettatore).

E la frase finale del film in cui lagiovane dichiara le proprie generalità ammettendo di non avere alcunaprofessione, suona tanto programmatica quanto scontata.

Peccato perché le premesse sembravanomolto buone e la protagonista Anaïs Demoustier (Le nevi del Kilimangiaro, Belle épine) èconvincente, oltre che generosa a mostrarsi nuda.

VOTO: 6+

Terzo film dal MyFrenchFilm Festival. c'è tempo ancora fino al 1 febbraio

2012-01-26T10:00:00.000+01:00

J'AIME REGARDER LES FILLES

di Fred Louf,

Francia, 2011

con Pierre Niney, Lou de Laâge, Audrey Bastien

Genere: commedia sentimentale revival anni '80

Se ti piace guarda anche: commedie sentimentali che si rifanno agli anni '80.

TRAMA

1981,Parigi. Primo, che studia in un liceo parigino, torna a casa per votare alleelezione che eleggeranno presidente Mitterand. Litiga però coi suoi e se netorna a Parigi senza aver votato. Sulla via del ritorno si intrufola in unparty esclusivo in cui incontra la donna della sua vita, che però è molto piùricca di lui.

Comesorvolare l’ostacolo e cosa rispondere a tutti quelli che lo tartassano sullesue posizioni politiche, lui che non ne ha neanche mezza?

RECENSIONE

Nonlasciatevi ingannare dal titolo: di ragazze da guardare ce ne sono solo due ele atmosfere ’80 e la componente politica in realtà non sono così approfondite.

Inrealtà nulla è approfondita in questo film che non va mai oltre la superficie,nemmeno nel caratterizzare i personaggi e i loro sentimenti.

Iniziacome una gradevole commedia anni ’80 con una simpatica canaglia comeprotagonista, ma presto la sceneggiatura perde quota, e l’assurdo finale nonrisponde a nessuna delle aspettative che il film sembrava promettere.

Occasionesprecata.

Ilgiovane protagonista, Pierre Niney, èapparso ultimamente in molti film francesi importanti, da Emotivi Anonimi(2010, anche se arrivato sui nostri schermi a Natale), Le nevi delKilimangiaro (2011), e L’autre monde -Black Heaven (2011).

VOTO: 6+

Un piccolo tocco di charme francese

2012-01-24T10:00:00.000+01:00

PETIT TAILLEUR

di Louis Garrel

Francia, 2010

Durata: 43 min

con Arthur Igual e Léa Seydoux

Genere: intellectual-chic à la française

Se ti piace guarda anche: Un été brulant, Les amants reguliers.

Dove vederlo: qui, sul sito di My French Film Festival in streaming e con sottotitoli in italiano fino al 1 febbraio.

Arthur è un apprendista sarto chesi innamora di una attrice teatrale dal carattere misterioso e scostante chegli chiede di partire con lui per Londra, ma ciò significherebbe lasciarel’atelier che il suo capo vuole lasciargli…

E voi cosa scegliereste? Lasicurezza professionale o l’incertezza dell’amore di una ragazza misterioso?

Seconda prova da regista per ilbel tenebroso per eccellenza del cinema francese, nonché simbolo di quelatteggiamento intellectual chic snob che in francese si definisce bobo (bohémienbourgeois): Louis Garrel, conosciuto al pubblico internazionale per il suoruolo in The Dreamers di Bernardo Bertolucci.

Figlio del regista Philippe, che alloscorso festival di Venezia l’ha diretto nel desolante Un été brulant, Garrel sembra volerseguire le orme del padre visto che quattro anni fa ha esordito come regista diun corto e nel 2010 ha diretto questo piccolo gioiello squisitamente francese.Che il prossimo passo sia un lungometraggio?

L’omaggio alla Nouvelle Vague èevidente e in questo lo aiuta bene anche Léa Seydoux, che sembra uscitadirettamente dai favolosi anni ’60 e che è diventata la nuova incarnazione diBrigitte Bardot. Al suo fianco, il bravissimo Arthur Igual, già apparso nelprimo corto di Garrel.

Una magnifica, sontuosafotografia in bianco e nero e un’eccellente colonna sonora che contiene anche Whatthe difference does it make degli Smiths fanno il resto.

Poco importa se la sceneggiaturaè esile: il charme di questo medio metraggio è innegabile.

VOTO:7

Piccoli grandi film francesi da scoprire: il talento di Valérie Donzelli

2012-01-22T18:00:00.000+01:00

LA REINE DES POMMES

di Valérie Donzelli

Francia, 2010

Con Valérie Donzelli, JérémieElkaïm e Béatrice De Staël

Genere: commedia indipendenteintellectual-chic alla francese

DOVE VEDERLO: qui, sul sito di MyFrenchFilm Festival.

Inuna frase: I could never be your woman

(Per entrare nel giusto mood viconsiglio di vedere prima questo storico video e poi guardando il film capireteil motivo).

Se ti piace guarda: i filmmusicali di Christophe Honoré e François Ozon.

TRAMA

Adèle (Valérie Donzelli)è stata mollata dal suoragazzo e non ha più voglia di vivere. Una vicina di casa la porta cosìall’unica persona che si possa prendere cura di lei: una cugina, con cui tral’altro non è nemmeno in ottimi rapporti.

La imbottisce di tranquillanti ela porta al parco, poi se ne va a lavorare. Qui Adèle conosce Pierre, ragazzotimido e razionale, ma i loro incontri pomeridiani vengono interrotti perché laragazza ha trovato lavoro come babysitter. Il lavoro va bene, ma la ragazza divental’oggetto del desiderio di Jaques, che però è troppo ansioso e precipitoso.

Infine, al solito parco Adèle haun colpo di fulmine: Paul. Basta uno sguardo per far innamorare follemente idue e giurarsi amore eterno. Peccato che vedersi sia difficile e quando i duesi vedono, Paul le chiede di masturbarsi, bendata, nel parco..

Insomma Paul rappresenta l’amourfou, e anche l’eros.

Ognuno rappresenta unacaratteristica diversa di cui Adèle ha bisogno ed è fantastica l’idea diutilizzare lo stesso attore per interpretare tutti e tre i ragazzi.

RECENSIONE

Film deliziosamente folle,divertente, sagace, ricchissimo di trovate davvero riuscite e incredibilmentelow-cost (e si vede, ma in fondo che importa se le idee sono così buone?)

Applausi a Valerie Donzelli chel’ha scritto, diretto, interpretato, musicato e cantato (ogni tanto ipersonaggi cantano, come succede a volte nel cinema francese!).

I punti di forza sono unasceneggiatura validissima, impreziosita da dialoghi perfetti e personaggimagnificamente caratterizzati, come l’adorabile protagonista, Pierre e quellacugina (l’esordiente Béatrice De Staël), all’apparenza scontrosa e distante,che man mano impariamo a conoscere per quello che è veramente.

L’attore che riveste il triplice ruolo di Pierre,Jacques e Paul non è altro che Jérémie Elkaïm, compagno dellaregista, nonché co-cosceneggiatore. Un film fatto in famiglia, come del restolo è anche il successivo, La guerre est déclarée, presentato allo scorsoFestival di Cannes e trasformatosi in breve nel film francese più premiatodella stagione, dopo l’imbattibile The Artist. Chi l'ha visto, come l'amico Onesto e Spietato (clicca qua per la sua recensione) ne ha ha parlato con entusiasmo.

Perché vederlo: Perché si ridespesso, si sorride sempre e sempre col cervello. E perché è impossibile noninnamorarsi di questi strampalati personaggi, così folli e allo stesso temporeali.

Ma anche perché vi è una dellescene di sesso più divertenti mai viste al cinema.

Scena cult: ce ne sono almeno unadecina, ma cito quella del sesso in auto.

VOTO: 7,5

French Film Festival: l'unico festival online e gratis!

2012-01-21T10:00:00.000+01:00

Si chiama MyFrenchFilmFestival ed è un festival interamente virtuale e gratuito grazie al quale potrete vedere in streaming con sottotitoli in italiano tutti i lungometraggi e corti che vi partecipano e dopodiché assegnare i vostri voti.

Va detto che non sono anteprime, come solitamente accade ai festival, bensì opere uscite nelle sale francesi nel 2010. In ogni caso sono film che non arriveranno mai sui nostri schermi, quindi è l’unica occasione per vederli. Considerando l’alto livello delle pellicole, è un’occasione secondo me da non perdere.

Avete tempo fino al 1 febbraio, quindi nei restanti 10 giorni vi dirò quali di questi film meritano una visione.

Anzi, un consiglio ve lo do subito: cominciate dalla Reine des pommes - La Regina delle mele di cui domani vi scriverò la recensione!

Ecco il link per iscrivermi. Vi ricordo che è tutto gratuito!

Blow-up: se l'immagine è illusione, cosa c'è di più illusorio del cinema?

2012-01-20T10:00:00.000+01:00

BLOW UP

DI MICHELANGELO ANTONIONI

ITALIA/UK 1966

Con David Hammings, Sarah Miles, Jane Birkin

se ti piace guarda anche: L'avventura, Deserto rosso, L'eclisse, L'amore sospetto

Un fotografo londinese di moda (David Hemmings), ingrandendo una foto scattata in un parco londinese (Maryon Park di Charlton), scopre di aver immortalato la scena di un delitto.

Comincia dunque una sorta d’indagine, torna sul luogo “del crimine”, viene inseguito da una donna (Vanessa Redgrave) fotografata al parco perché vuole il rullino in cui ci sono foto compromettenti che la ritraggono.. Partecipa a un party selvaggio in cui gli Yardbirds con Jimmy Paige che spacca una chitarra.

Poi si accorge che in realtà si era sbagliato: le foto cominciano ad ingannarlo, non è più sicuro di ciò che aveva visto e di ciò che vede ora, tant’è che il film finisce con due uomini che giocano a tennis senza racchetta e pallina.

"Noi sappiamo che sotto l’immagine rivelata ce n’è un’altra più fedele alla realtà, e sotto quest’altra un’altra ancora, e di nuovo un’altra sotto quest’ultima. Fino alla vera immagine di quella realtà, assoluta, misteriosa, che nessuno vedrà mai. O forse fino alla scomposizione di qualsiasi immagine, di qualsiasi realtà. Il cinema astratto avrebbe dunque una sua ragione di essere". [Michelangelo Antonioni, cit. in Giorgio Tinazzi, Michelangelo Antonioni, Milano, Il Castoro, 2002, p. 7.]

Blow-up è un altro capitolo sull’alienazione tra individuo e mondo che gli sta attorno, ma questa volta c’è una fonte letteraria: il film è infatti ispirato al racconto di Cortàzar La bava del diavolo, ma si trovano anche influenze di Borges. Le musiche sono di Herbie Hancock, la sceneggiatura è scritta con Tonino Guerra, la fotografia di Carlo di Palma, nel frattempo diventato compagno di Monica Vitti. Ed è proprio l’ex compagna Monica Vitti che lo porta indirettamente a scegliere Londra come location: il racconto era infatti ambientato a Parigi, ma Antonioni decide di cambiare città dopo aver fatto visita a Monica Vitti a Londra sul set di Modesty Blaise- la bellissima che uccide di Joseph Losey.

Per Antonioni inoltre, a Londra la storia, come pure la psicologia dei personaggi assume una carica più intensa.

Il film vinse la Palma d’oro a Cannes e il nastro d’argento come miglior film straniero. Ricevette agli Oscar 2 nomination per regia e sceneggiatura originale.

Costato 2 milioni di dollari, ne intascò 20, diventando il primo successo commerciale e davvero internazionale di Antonioni.

IL REGISTA

E’ il primo film internazionale di Antonioni, prodotto da Carlo Ponti come i due successivi Zabriskie Point e Porefessione Reporter, che se vogliamo formano una nuova trilogia anglofona sul rapporto tra individuo e mondo. Per la monografia del regista, cliccate qui.

GLI ATTORI

DAVID HEMMINGS

(Guildfold, 1941- Bucarest, 2003). Nel 1975 recita in Profondo Rosso di Dario Argento, poi dirige David Bowie Marlene Dietrich (in un cameo a dir il vero) nel flop Gigolò. Negli anni ’80 passò alla regia di diversi episodi di serie cult come Magnum P.I. e The A-Team. Tra le sue ultime apparizioni si ricordano Il Gladiatore, Spy Game, Gangs of New York. E’ morto sul set del suo ultimo film Blessed, per un arresto cardiaco.

VANESSA REDGRAVE (1937).

Attrice britannica di molti adattamenti letterari importanti, tra i suoi film si ricordano Assassinio sull’Oriente Express (1973) , Julia (1977) per il quale vinse l’Oscar come miglior attrice non protagonista, I Bostoniani (1984), Casa Howard (1992), Riccardo III (1996), Wilde (1997), Espiazione (2007). Anche gli ultimi suoi film sono due opere in qualche modo shakespeariane: Coriolanus e Anonymous.

JANE BIRKIN (1946)

Pronipote di un’amante di Edoard VIII, personaggio che sarà al centro del nuovo film di Madonna, WE, Jane divenne fotomodella e poi attrice, raggiungendo la fama grazie al nudo in Blow-Up (foto sopra). L’anno dopo conobbe Serge Gainsbourgh, col quale registrò la celeberrima Je t’aime, moi non plus, divenuta poi anche un film dallo stesso titolo, diretto dallo stesso Serge e interpretato dalla Birkin con Joe Dallesandro e Gerard Depardieu. Proprio come la figlia Charlotte Gainsbourgh, Jane ha alternato con successo la carriera di cantante a quella di attrice.

Morti i cinepanettoni, nascono i cinepasticcioni

2012-01-19T10:00:00.000+01:00

L’anno scorso si diceva che il cinepanettone era in crisi coi suoi 18 milioni di euro incassati. Che dire allora di Vacanze di Natale a Cortina, che questo weekend termina la sua corsa con quasi 12 milioni totale?

In termini di pubblico stiamo parlando di quasi un milione e mezzo di spettatori che quest’anno hanno preferito rinunciare.

Pieraccioni dal canto suo se la cava perfino peggio, con poco più di 10 milioni.

A questo punto la morte definitiva del genere potrebbe essere molto vicina, tanto che ci sono buone speranze che il cinepanettone quest’anno non si faccia affatto, visto che Medusa non credo che voglia correre il rischio – molto verosimile- di finire sotto i 10 milioni.

Questo però non significa che il pubblico italiano sia diventato improvvisamente colto, ma semplicemente che preferisce vedere i cinepasticcioni qualche settimana più tardi, a gennaio.

Perché se da un lato un genere di pessima qualità muore, ecco nascerne un altro: quello dei sequel, ben rari nel nostro cinema. È il caso di Immaturi e Benvenuti al Sud, che in questo mese sfornano i loro sequel, con risultati commerciali e qualitativi prevedibilmente sulla stessa lunghezza d’onda. Se già Immaturi era un pessimo film, ovvero un mix di fiction italica e del blockbuster all’italiana (i vari Manuale d’amore, tanto per fare un esempio), da questo è difficile aspettarsi di meglio, senza contare che il film ha l’aggravante, a differenza dei film natalizi, di sfruttare cast di attori dotati (Bobulova, Caprioli) convinti dai risultati commerciali.

Benvenuti al Nord invece è un’incognita, potrebbe essere migliore del primo grazie a Bonifacci in sceneggiatura, ma dubito che possa essere poi così diverso..

Insomma, è nato un nuovo genere di brutta commedia commerciale italiana , che puntualmente a gennaio invade i cinema (l’anno scorso c’erano Qualunquemente e Immaturi) in cerca di un nome appropriato.

What a SHAME

2012-01-17T12:31:00.001+01:00

SHAME

di STEVE MCQUEEN

USA, 2011

con Michael Fassbender, Carey Mulligan

Genere: Porno-chic

ORA NELLE SALE ITALIANE

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TRAMA (SEMISERIA)

Manco fosse l’uomo più figo del mondo, tutte le donne che Brandon (Michael Fassbender) incontra, vogliono andare a letto con lui. In metro, al bar, in ufficio, sono ovunque e tutte assatanate. Ma questo non gli basta: va con prostitute, guarda siti porno in ufficio e a casa e si masturba in ufficio.

Il dramma sorge quando irrompe a casa sua sorella Sissi (Carey Mulligan) e lui non può quindi più girare per casa col birillo al vento.

RECENSIONE SERIA

Steve McQueen racconta la storia di una dipendenza e lo fa con una trama che più classica e scontata non si può, con il protagonista che affonda sempre di più nel vizio finché un dramma non lo sconvolge. L’unico elemento originale della trama è che in realtà non c’è una vera svolta: il finale aperto non permette di sapere se c’è redenzione, se il dolore è causato da una presa di coscienza o dal dramma appena vissuto.

Non ci sono inoltre motivazioni dietro i comportamenti dei personaggi, di cui sappiamo davvero poco. I loro gesti e i loro corpi sono solo oggetti esposti allo spettatore per un’ipotetica riflessione che invece non si verifica, perché non c'è nessuna partecipazione emotiva.

L’aridità emotiva del protagonista si riflette così anche nello spettatore, che non può provare empatia, ma non può provare in assoluto alcun sentimento, perché il film è gelido e formale come lo stesso Brandon.

Ma non c’è nemmeno un intento documentaristico o fenomenologico, in quanto la bella fotografia e l’aspetto patinato escludono subito questa ipotesi.

Il tutto è poi condito da simbolismi triti e ritriti, come la continua contrapposizione di Eros e Thanatos o il vuoto interiore riflesso nell’ambiente asettico.

E non aiuta l’erotismo esplicito, compiaciuto e freddo che dà al tutto un tono moralista.

Eppure lo Steve McQueen sceneggiatore (aiutato da Abi Morgan) mostra grande acume nell’elaborare gli scarni ma perfetti dialoghi di Brandon durante l’appuntamento con la collega, le uscite col capo o ancora gli scontri con la sorella.

Il vero talento dell’autore sembra dunque quello di tratteggiare situazioni quotidiane e ordinarie senza renderle banali, ma purtroppo si ostina a parlare solo di storie ben poco ordinarie, come accadeva anche nell’esordio Hunger. Nonostante gli elogi che la critica gli riserva, io ritengo che non abbia ancora capito la sua vera strada.

Passo falso per la carriera, finora in incredibile ascesa, di Carey Mulligan che in ogni caso, con la sua bellissima interpretazione di New York New York dona al film un briciolo di cuore.

VOTO: 6

GOLDEN GLOBES 2012: 3 premi per The Artist

2012-01-16T09:44:00.002+01:00

Michelle, Woody, Madonna tra i vincitori e Natalie tra i presentatori. Non si poteva chiedere di meglio dai Golden Globes 2012. The Artist vince 3 statuette e The Descendents (Paradiso Amaro) 2.

Ecco di seguito tutti i premi:

MIGLIOR FILM DRAMMATICO

The Descendants – Paradiso Amaro

MIGLIOR ATTORE IN UN FILM DRAMMATICO

George Clooney, The Descendants

MIGLIOR FILM COMICO/MUSICAL

The Artist

MIGLIORE ATTRICE IN UN FILM DRAMMATICO

Meryl Streep per The Iron Lady

MIGLIOR ATTORE IN UN FILM COMICO/MUSICAL

Jean Dujardin per The Artist

MIGLIOR REGISTA

Martin Scorsese per Hugo Cabret

MIGLIORE ATTRICE IN UN FILM COMICO/MUSICAL

Michelle Williams per My Week With Marylin

MIGLIORE ATTRICE NON PROTAGONISTA

Octavia Spencer per The Help

MIGLIOR ATTORE NON PROTAGONISTA

Christopher Plummer per Beginners

MIGLIOR SCENEGGIATURA

Woody Allen per Midnight In Paris

MIGLIOR FILM STRANIERO

A Separation – Una Separazione

MIGLIOR FILM ANIMATO

Le Avventure di Tintin: il Segreto dell’Unicorno

MIGLIOR COLONNA SONORA

Ludovic Bource per The Artist

GLIOR CANZONE

Madonna per “Masterpiece” da W.E.

TV:

Best Series DRAMA:

Homeland

Best Series Musical or Comedy:

Modern Family

Best Performance in a Television Series – Drama – Actor

Kelsey Grammer – Boss

Best Performance in a Television Series – Drama – Actress

Laura Dern – Enlightened

Best Performance in a Miniseries or Television Film – Actor

Idris Elba – Luther

Best Performance in a Miniseries or Television Film – Actress

Kate Winslet – Mildred Pierce

Best Supporting Performance in a Series, Miniseries, or Television Film – Actor

Peter Dinklage – Game of Thrones

Best Supporting Performance in a Series, Miniseries, or Television Film – Actress

Jessica Lange – American Horror Story

Best Miniseries or Television Film

Downton Abbey

The Artist: bentornato cinema muto!

2012-01-13T10:00:00.000+01:00

THE ARTIST

Michel Hazanavicius

Francia, 2011

Genere: Retro, Cinema Muto, Bianco e nero, Commedia.

Se ti piace guarda anche: Cantando sotto la pioggia, E’ nata una stella.

ora nelle sale

CANDIDATO A 6 GOLDEN GLOBES

TRAMA

George Valentin è un divo del cinema muto, accompagnato sullo schermo e sulla vita dall’inseparabile cane. A un red carpet una bellissima ragazza è in prima fila per chiedergli l’autografo, e un incidente la fa catapultare sotto i riflettori al fianco del divo. L’ammiratrice coglie l’occasione e lo bacia su una guancia: i fotografi non si fanno scappare lo scoop. Da questo momento le vite dei due personaggi si incroceranno spesso, seguendo un percorso opposto: lei, giovane, diventerà una stella del cinema parlante appena nato. Lui, fedele al cinema muto che l’ha reso celebre, finisce nel dimenticatoio e complice il crollo delle borse del ’29 si ritrova sul lastrico.

COMMENTO

Un vero artista riesce sempre a reinventarsi: questo il messaggio del regista, nonché sceneggiatore, Michel Hazanavicius che compie un’ammirevole operazione metacinematografica dedicata a tutti coloro che amano il cinema. Il suo gesto è azzardato ma vincente, tanto da dimostrare che anche nel 2011 si può fare un film muto e in bianco/nero in grado di deliziare lo spettatore. E ricordandoci cos’era il cinema senza senza 3D, senza effetti speciali, senza rumori e addirittura senza dialoghi. Uno spettacolo soltanto per gli occhi.

E qui lo spettacolo è garantito: bellissima fotografia, attori fotogenici e meravigliosi, magnifici costumi e location. Se non fosse per qualche lungaggine di troppo (il film nel film iniziale, gli infiniti ciak del ballo, il doppio finale) si potrebbe gridare al capolavoro.

Resta un’opera audace nel suo essere nostalgica, nonché dimostrazione che il vero cinema non ha età.Il film si è guadagnato 6 nomination ai Golden Globes, tra cui quella per miglior commedia/musical, miglior script, miglior attore per la stupefacente performance di Jean Dujardin, già premiato al Festival di Cannes e anche migliore attrice per la fantastica Bérénice Bejo, consorte del regista e splendida attrice. E ai prossimi Oscar aggiungerei una sezione dedicata alle migliori performance animali.. Il cane di The Artist è infatti un personaggio fondamentale, e la sua interpretazione, libera daqualsiasi effetto speciale dimostra il nonsense della dicitura “recitare da cani”. Non a caso, a Cannes ha vinto il Palm Dog Award!

Curiosità: Incredibile ma vero!

1)Il cane del film, Uggie, è un vero cane-attore, che ha già recitato a fianco ad un altro attore cane: ovvero il Robert Pattinson di Come l’acqua per gli elefanti. Leggete la sua pagina su Wikipedia!

2) Kim Novak, oggi 78 enne, qualche giorno fa ha dichiarato, probabilmente nel tentativo di far parlare di sé, che si è sentita violata dal film : ” I feel as if my body - or at least my body of work - has been violated by the movie”. A offenderla è stato l’utilizzo delle musiche di Bernard Herrmann composte per il capolavoro hitchcockiano che la rese celebre, ovvero Vertigo (La donna che visse due volte). Secondo lei le colonne sonore del passato vengono abusate nel cinema d’oggi. Come darle torto: visto che The Artist ha ricreato tutto ad hoc, avrebbe potuto anche utilizzare delle musiche inedite, o perlomeno non musiche di un film che non è nemmeno muto.

VOTO: 8+

J.EDGAR: vi è piaciuto?

2012-01-12T09:25:00.001+01:00

Se vi siete persi la mia recensione, la trovate qui!

Oggi compio 3 anni: grazie a tutti voi!

2012-01-11T10:00:00.000+01:00

Questo blog oggi spegne 3 candeline: iniziato un po’ per caso , alla fine del 2009 ha cominciato a ricevere visite e commenti, aumentandole notevolmente nel 2010, anno che ha visto anche l’arrivo del lettore onorario del blog, Cannibal Kid, al quale va l’ambitissimo premio di lettore più fedele e più loquace, come testimoniato dalla Top 10 dei commentatori che vedete qui a fianco in cui il blogger cannibale appare addirittura sdoppiato da quando ha deciso di modificare nome.

Se anche voi volete entrare nell’ambitissima Top 10 o volete tentare l’ardua impresa di battere l’autore di pensieri cannibali, seguite il suo esempio e scrivete, scrivete e scrivete! :)

Tornando alla storia del blog, possiamo notare che nel 2011 il blog ha conosciuto un’impennata, “conquistando” quasi 70 lettori e totalizzando oltre 100.000 visite, creando così un salotto cinematografico di commentatori più o meno assidui che ringrazio davvero tanto tanto.

E i 12.000 visitatori di dicembre fanno sperare a un 2012 ancora più affollato.

Ma ora scopriamo meglio quali sono i gusti del pubblico e soprattutto perché questo blog di cinema viene consultato. La risposta è semplice: non di certo per il cinema..

I post più letti?

Entrambi con più di 3.500 visualizzazioni. Motivo? Piuttosto semplice, sono gli unici post in cui compare del nudo. Quindi se lo scopo del blog fosse quello di avere più visualizzazioni possibili, dovrei trasformarlo in un blog porno.

Il post più letto del 2011 è invece, a sorpresa, quello dedicato al disco dei Foster The people, altro segnale che mi suggerisce di mollare le recensioni cinematografiche e pubblicare solo articoli di musica con foto di donne e uomini nudi.

Infatti ecco quali sono le Parole chiave che hanno condotto a questo blog:

1. Sophia Loren seno

2. Beastly

3. Thomas Mars

4. Montgomery Clift

5. Brandon Flowers

Allora, io mi sbatto per scrivere articoli seri che raccontano la storia del cinema italiano oppure recensioni dei film in uscita e quali sono alla fine gli argomenti più cliccati? Il seno della Loren, uno dei film più trash dell’anno, due cantanti…

Ma ecco le soddisfazioni: tra i 5 i post che hanno suscitato più commenti, vi sono, con mio sommo piacere, le recensioni di 4 film che ho amato molto, tre dei quali italiani (e sapete quanto io difenda il cinema nostrano!)

1. Midnight in Paris

2. This must be the place

3. Top 10 del 2011

4. Scialla e Kryptonite nella borsa in pareggio

Ma continuiamo con altri dati e statistiche..

Il mio è un blog internazionale visto che :

Il 55% del pubblico è italiano,

il 34% è francese

il 3% è statunitense

Inoltre posso anche dirvi che il 42% dei lettori usa Explorer e il 32% Firefox, gli Iphone stracciano gli Android che a loro volta doppiano i Blackberry ..

Detto questo grazie a tutti!

Sophia-bio:scandali e successi e http://persogiadisuo.blogspot.com/2010/10/visconti-ultima-parte-linnocente-1976.html

J. Edgar: l'Eastwood più ambizioso?

2012-01-11T00:08:00.000+01:00

J. EDGAR

di Clint Eastwood

Usa, 2011

Biopic

con

Leonardo DiCaprio, Naomi Watts, Armie Hammer, Judi Dench

ora nelle sale

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Nemico pubblico

J.Edgar Hoover (Leonardo DiCaprio, titanico come sempre) diventa, giovanissimo, presidente del FBI, e manterrà il proprio ruolo per 48 anni, sopravvivendo a 8 importanti presidenti d’America e lavorando sempre al fianco dei fedeli Clyde Tolson (Armie Hammer da Oscar)e Miss Gandy (Naomi Watts, da applausi anche se si meritava scene migliori).

Ambiziosissimo film di Clint Eastwood, scritto dal Premio Oscar Dustin Lance Black (Milk), che tenta di costruire un ritratto pubblico e privato di una delle figure più controverse della storia americana, ovvero il fondatore del moderno FBI, colui che introdusse i moderni sistemi di investigazione, impronte digitali comprese.

Un doppio ritratto che non omette richiami al presente, tanto che le parole di Hoover in più punti richiamano affermazioni di ben più recenti personaggi politici, soprattutto Bush jr e la sua lotta al terrorismo.

C’è decisamente troppo materiale su cui lavorare, troppa storia americana in ballo e una vita privata sconosciuta sulla quale non si può sorvolare. Eastwood vuole però provare a raccontare tutto perché si serve di Hoover per darci un’importante lezione: all we need is love. Nessun successo, ricchezza o fama potrà mai sostuire l’amore. Il punto di vista del regista e dello sceneggiatore sono dunque chiari: c’è sempre l’amore alla base dei nostri gesti, o la sua mancanza, perdita, negazione. Hoover cercava in pubblico una sicurezza e un successo che nel privato non poteva conoscere perché ha sempre rinnegato se stesso. Ecco dunque il secondo tema che vuole suggerire: l’accettazione di sé, o meglio il riconoscimento di sé.

Ed è proprio la parte del film dedicata alla sfera privata del protagonista che coinvolge e lascia il segno e non quella eroica al lavoro: le sue imprese al Bureau, tutte le catture e i successi si susseguono velocemente e confusamente sullo schermo senza impressionare più di tanto lo spettatore. Nessun inseguimento o sparatorie come si potrebbe attendere dall’ex ispettore Callagan nonché regista de Gli spietati, insomma. Mentre al contrario lascia il segno la timida ma risoluta Naomi Watts- Miss Gandy che lo rifiuta, la crudele e possessiva madre di Judi Dench che lo ama solo alle sue condizioni e soprattutto il Tolson di Armie Hammer che lo ama incondizionatamente per 45 lunghi anni: la scena del bacio con sfuriata e poi quelle senili con i due uomini che fanno colazione o che guardano alla Tv Marthin Luther King che accetta il Nobel dipingono una delle love story più commoventi viste al cinema negli ultimi anni. Una storia d’amore struggente e crudele, che riscatta il film e gli fa perdonare le eccessive lungaggini, i make up grotteschi di serie B e scelte narrative e registiche discutibili.

VOTO: 7,5

Nonché, nella versione italiana, un doppiaggio da denuncia.

The best of 2011: TOP 10

2012-01-10T10:00:00.000+01:00

Signori e signore eccoci arrivati alla mia Top 10 del meglio di questo 2011 appena concluso. Sono tutti film con voti a partire dal 7,5, due dei quali non dovrebbero nemmeno essere in classifica perché uno è del 2009 ma è uscito nei cinema italiani solo quest’anno e un altro è uscito negli Usa a fine 2010 e in Italia probabilmente uscirà quest’anno..

10. jane eyre
9. bronson
8. drive
7. this must be the place
6. blue valentine

5. Scialla!

4. The tree of life

3. 127 ore

2. Midnight in Paris

1. Il cigno nero

The best of 2011: film dalla posizione 20 alla 11

2012-01-09T10:04:00.001+01:00

11. Il grinta

12. A dangerous method

13. Restless (L’amore che resta)

14. Hanna

15. Cars 2

16. La kryptonite nella borsa

17. Habemus Papam

18. Gianni e le donne

19. I ragazzi stanno bene

20. Terraferma

The best of 2011: film dalla posizione 30 alla 21

2012-01-08T10:49:00.002+01:00

In questa parte di classifica appaiono tutti film discreti a cui ho assegnato 7 come voto.

Vi compaiono alcuni tra i film più apprezzati della stagione, come Hereafter, Carnage, Le idi di marzo e soprattutto Il Discorso del re, che agli ultimi Oscar ha scandalosamente vinto il premio di miglior film dell’anno.

21. Boris

22. Carnage

23. Hereafter

24. Il Discorso del re

25. le idi di marzo

26. The rabbit’s hole

27. Questa storia qua

28. Il gioiellino

29. Amici di letto

30. Easy Girl – Easy a

the best of 2011: film dalla posizione 40 alla 31

2012-01-07T11:00:00.000+01:00

Dopo la Top 10 dei peggiori film, si inizia ora con il countdown per scoprire il meglio dell’anno cinematografico appena finito.

Con oltre 50 film recensiti, e molti altri visti in extremis senza recensione, ecco ora una Top 40 dalla quale inevitabilmente alcuni film rimarranno esclusi.

La fascia che va dalla posizione 40 alla 31 infatti contiene film che ruotano nell’area della sufficienza, come accadeva l'anno scorso, in cui però c'erano tuitoli leggermente più deboli.

Credo che Almodovar e Von trier in queste posizioni faranno storrcere il naso a qualcuno!

31. Melancholia

32. Il truffa cuori

33. C’è chi dice no

34. Corpo celeste

35. The eagle

36. Sherlock Holmes: gioco di ombre

37. Cose di un altro pianeta

38. I puffi

39. La piel que habito

40. Warrior

TOP 10 CINEMA ITALIANO 2011

2012-01-06T11:00:00.000+01:00

La Befana è una tradizione italiana, quindi mi sembra la giornata giusta per condividere la Top 10 dei miei film italiani del 2011, in cui ho cercato di far convergere gusto personale e giudizio oggettivo.
Tolti Sorrentino e Moretti, sono tutti film passati inosservati in sala, con incassi al di poco sopra o sotto il milione di euro. Vi consiglio dunque di recuperarli, perché soprattutto per le prime otto posizioni si tratta di film davvero validi che testimoniano quanto il nostro cinema sia vivo e bello.

Nessun capolavoro, ma film che meritano di essere visti e in alcuni casi ricordati. Molto bello poi che tra questi ci siano diversi esordi, come quello di Bruni e di Cotroneo.

1. Scialla!

2. This must be the place

3. Habemus Papam

4. La Kryptonite nella borsa

5. Gianni e le donne

6. Terraferma

7. Boris

8. il Gioiellino

9. Corpo celeste

10. C’è chi dice no

Ops

2012-01-04T23:18:00.002+01:00

é chiaro che Blogger mi ha fatto uno scherzo e gli ultimi due post sono stati invertiti. :)

Migliori attrici del 2011: Prima parte

2012-01-04T22:45:00.001+01:00

Dopo i migliori attori dell’anno, è arrivato il tempo di decretare le migliori attrici del 2011.

Ma qui è impossibile citare solo due nomi: il 2011 è stato infatti un anno al femminile, ricco di performance sorprendenti nonché di attrici che sono riuscite ad apparire anche in due o tre film di successo.

10. KIRSTEN DUNST: un grandioso ritorno in Melancholia, che l’è valso la Palma a Cannes. E nel 2012 la vedremo in molti nuovi film.

9. JODIE FOSTER: Carnage è Jodie Foster, semplicemente straordinaria in ogni scena e indubbiamente tra la cinquina delle migliori interpretazioni dell’anno. Meglio tralasciare il flop di The Beaver, che la vede attrice e regista.

8. MILA KUNIS: Sexy e ambigua nel magnifico The Black Swan, divertente e ancora sexy in una delle commedie americane più deliziose dell’anno, Amici di letto. Ci vorrebbe ora un bel ruolo da protagonista.

7. CAREY MULLIGAN: Probabilmente la più saggia attrice under 30 in circolazione: da 4 anni non sbaglia un colpo e quest’anno l’abbiamo vista nel cult Drive e in Non lasciarmi, in cui regge praticamente lei tutto il film

6.MARION COTILLARD la più straordinaria carriera di questo nuovo millennio: in una manciata d’anni la bellissima francese ha vinto un Oscar ed è stata diretta dai più grandi registi viventi: Tim Burton, Ridley Scott, David Lynch, Woody Allen, Christopher Nolan…Quest’anno ha riempito di magia Midnight in Paris, è apparsa in Contagion di Sodebergh, e nel grande successo francese Les petits mouchoirs, a gennaio (forse) nei nostri cinema, diretta dal marito Guillaume Canet che l’ha resa mamma qualche mese fa. E l’anno prossimo, ritorna Nolan..

Le migliori attrici del 2011: II parte

2012-01-04T11:00:00.000+01:00

5.EMMA STONE: la rivelazione comica e non solo dell’anno: dopo il sorprendente successo di Easy Girl, diretto dal bravo Will Gluck che l’ha richiamata per un cammeo in Amici di letto, la bellissima Emma è tra le protagoniste di The Help, tra i favoriti ai prossimi Golden Globe.

4. JESSICA CHASTAIN: è lei The Tree of life, capace di oscurare le performance di Pitt e Penn con una delle migliori performance dell’anno che se non viene nominata all’Oscar è uno scandalo. Ma la ragazza ha dimostrato di aver fiuto, e anche lei è tra le protagoniste di The Help, nonché del nuovo e apprezzatissimo film di Al Pacino, Wild Salomé.

3.KATE WINSLET: Potrebbe essere tranquillamente la regina di quest’anno, perché la miglior attrice vivente anche quest’anno ha regalato performance ottime in Carnage e Mildred’s Piece, passando velocemente per il come al solito snobbato Sodebergh.

2. MIA WASIKOWSKA: l’attrice migliore dell’anno è senza dubbio lei. Scoperta e lanciata da Tim Burton, l’ex Alice nel paese delle meraviglie quest’anno è stata protagonista del bell’adattamento di Jane Eyre, del poetico e ingiustamente ignorato ultimo film di Van Sant e ha avuto un ruolo importante, ma di supporto, nel delizioso I ragazzi stanno bene, una delle sorprese della scorsa stagione.

Non solo mostra grande intelligenza nelle sue scelte, ma è anche una di quelle rare attrici in grado di emozionare con uno sguardo. Peccato che nessuno dei tre film abbia goduto di un successo commerciale soddisfacente. C’è da dire comunque che dopo il miliardo incassato dal film di Tim Burton, Mia potrebbe lavorare gratis anche per il resto della sua vita..

1 .NATALIE PORTMAN:

è lei l’indiscussa regina cinematografica dell’anno, non solo per l’Oscar, ma anche per lo straordinario successo commerciale raggiunto da tutti i film in cui è comparsa: dopo Black Swan, anche i mediocri Thor e Amici, amanti e.. hanno avuto un exploit incredibile al botteghino. Meno fortunati Hesher e Your Highness, da noi ancora inediti.

Peccato che Natalie l’attrice sia schizofrenica come la ballerina Nina e nello stesso anno abbia recitato in un piccolo film indipendente, in un mega blockbuster fumettistico, in una commedia sboccata e commerciale e in un film d’azione demenziale. E non chiamiamolo eclettismo: è stato il disperato bisogno di lavorare di un’attrice a un passo dal fallimento dopo molti film andati male. Poi è arrivato The Black Swan, che oltre all’Oscar le ha portato un compagno e un filgio.

Dopo l’Oscar speriamo dunque che le sue scelte siano più scrupolose e ragionate.

I migliori attori del 2011

2012-01-02T11:00:00.000+01:00

L'anno sta volgendo a termine, e quindi è arrivato il momento di iniziare con le tradizionali classifiche di fine anno, ma quest'anno volevo parlare anche degli attori che si sono fatti più notare...

Per quanto riguarda gli uomini, è inutile

stilare una classifica vera e propria , perché questo 2011 è stato l’anno di Michael Fassbender e soprattutto di Ryan Gosling. Punto.

Il primo è passato con disinvoltura dal fumettistico X-men: l’inizio, ai panni ottocenteschi prima del tenebroso Rochester del bell’adattamento di Jane Eyre e poi dell’inibito Gustav Jung in A Dangerous Method di Cronenberg. Poi i costumi li ha tolti del tutto per Shame, che si preannuncia uno dei film più spudorati ed espliciti della storia, col nostro simpaticone quasi sempre ignudo. Il ruolo gli è valso la Coppa Volpi all’ultimo festival di Venezia, dove l’ho incontrato e l'ho trovato davvero simpatico.

Non posso dire lo stesso di Ryan Gosling, che non mi convince ancora del tutto, ma bisogna ammettere che quest’anno è stato decisamente suo.

Co-protagonista dello struggente e da noi purtroppo inedito Blue Valentine, protagonista del solido dramma politico di Clooney Le idi di marzo e soprattutto di quello che sembra il film culto d’eccellenza dell’anno, Drive. Senza dimenticarsi la sua fortunata incursione nella commedia con Crazy, Stupid, Love.

L’anno prossimo invece prevedo che sarà l’anno di Leonardo DiCaprio, ma staremo a vedere se ci sarà posto per eventuali sorprese.

The worst of...

2011-12-31T11:00:00.000+01:00

Iniziamo lo spazio dedicato alle classifiche di fine anno col peggio dell’anno che sta per concludersi:

1. Bad teacher

2. Che bella giornata

3. Qualunquemente

4. Beastly

5. Amici, amanti e ..

6. Anonymous

7. Immaturi

8. Ruggine

9. Come ammazzare il capo e vivere felici

10. Mia moglie per finta

Bad teacher è il peggior film che ho visto quest’anno, seguito da due commedie italiane di grandissimo successo .

E dopo avervi mostrato il peggio, non mi rimane che augurarvi il meglio per questo 2012!

L'eclisse (dei sentimenti)

2011-12-29T16:22:00.001+01:00

L'ECLISSE

DI MICHELANGELO ANTONIONI,

ITALIA, 1960

Genere: dramma esistenziale

Se ti piace guarda anche: L'avventura, Il Deserto Rosso, La notte

Vittoria (Monica Vitti) è una ragazza borghese annoiata e alienata che lascia il suo amante intellettuale e si lega, non senza molte esitazioni, a un agente di borsa, pragmatico e astuto, Piero (Alain Delon). Troppo diversi e presto entrambi se ne renderanno conto.

È “l’eclisse dei sentimenti”, l’impossibilità di incontro di due universi inconciliabili: da un lato la donna, sognante e idealista, e per questo scontante, e perfino “strana”, e dall’altra l’uomo pragmatico al quale interesse la sicurezza di un buon lavoro e di una relazione.

Scritto con Tonino Guerra, il film segue le gesta, spesso non molto legate dal rapporto causa-effetto, di questa splendida e lunatica donna.

Le donne sono più complicate e sensibili degli uomini? È questo ciò che vorrebbe dire Antonioni?

In effetti dichiarà lui stesso che “crede di conoscere meglio le donne degli uomini e attraverso la psicologia delle donne si può filtrare meglio la realtà. Esse sono più istintive, più sincere.”

Cosa vuol dire davvero questo film? Le interpretazioni sono state tante, perfino troppo. Forse Antonioni voleva solo prenderci in giro deliziandoci inseguendo con il suo amorevole sguardo la sua bellissima Monica Vitti. E poi c'è Delon, che con la Vitti forma una coppia davvero bellissima e indimenticabile.

Il film ricevette il premio della giuria al Festival di Cannes del 1962 ed entrava a far parte di quella trilogia, diventata poi tetralogia, che aveva già un sapore leggendario e sicuramente intellettual-chic.

Con un processo contrario, il film negli ultimi anni è stato rivalutato da alcuni in modo negativo. Il Mereghetti, ad esempio lo giudica datato, manierato e autoretorico.

La canzone dei titoli è Eclisse twist, cantata da Mina su parole di Antonioni (che si firma Ammonio).

FILM PERSO n° 5: L'amore che resta (Restless)

2011-12-28T14:22:00.003+01:00

(RESTLESS)

Di Gus Van Sant

USA, 2011-

Con Henry Hopper e Mia Wasikowska

Genere: Love story mortale

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Incasso italiano: 124.000 euro

Perché recuperarlo: perché stiamo parlando di un film di Gus Van Sant, che in Italia (ma anche nel resto del mondo) ha ricevuto una distribuzione davvero indecente e come ogni film del regista, vale la pena di essere visto.

Ennoch è un ragazzo che passa il tempo libero ai funerali, e proprio a uno di questi conosce Annabelle. Si conoscono in un luogo di morte e la morte li unisce: lui è stato morto per alcuni minuti, lei dopo tre mesi morirà.

Su queste premesse si fonda l’ultima fatica di Gus Van Sant, che torna nel suo Oregon e alle storie di adolescenti “strani”. Trasposizione di una pièce teatrale di Jason Lew, fortemente voluto da Ron Howard e la figlia Bryce Dallas Howard che l’hanno prodotto, il film è magnificamente musicato dal grande Danny Elfman e vanta due bellissime performance: quella di Henry Hopper e Mia Wasikowka. Il primo, figlio di Dennis, al quale assomiglia in modo impressionante, si rivela estremamente telegenico e talentuoso, la seconda, come al solito, è semplicemente straordinaria e continua a non sbagliare un colpo in una carriera sbalorditiva.

A suo favore il film ha anche una meravigliosa fotografia di Harry Savides (Elephant, Somewhere, Zodiac) che avvolge i protagonisti e dona leggerezza, colore, romanticismo, poesia e armonia alle loro funeree avventure. Peccato che il film si soffermi più sulle atmosfere che sui fatti, e da un testo di origine teatrale era lecito aspettarsi una sceneggiatura più solida. Ma forse è quello che voleva Van Sant: un’opera meno strutturata e scritta di Milk che vinse l’Oscar proprio per la sceneggiatura, un piccolo film in cui valgono più gli sguardi, le musiche e i colori.

La critica non l’ha perdonato e il pubblico neppure: costato 8 milioni, ha incassato mezzo milione in tutto il mondo e in Italia 124.000 euro. Possibile che l’ultima opera dell’auotre di Belli e dannati, Will Hunting- Genio Ribelle e Scoprendo Forrester debba sopportare l’umiliazione di una simile distribuzione?

VOTO: 7,5

Film perso n°4: Corpo Celeste

2011-12-26T15:00:00.000+01:00

CORPO CELESTE

DI ALICE ROHRWACHER
ITALIA, 2011

Commedia drammatica di formazione

con Yle Vianello, Anita Caprioli

Se ti piace guarda anche: Lourdes, Gomorra, i baci mai dati, Cosmonauta

Perché recuperarlo: perché é stato molto apprezzato all'ultimo festival di Cannes e ha vinto un Nastro d'Argento come miglior regista esordiente, ma ha incassato una miseria

Marta (Yle Vianello) , sua sorella maggiore e sua madre (Anita Caprioli) tornano in Calabria dopo aver vissuto in Svizzera.

Marta ha anche l’età per fare la Cresima e si rende conto che la sua preparazione in catechismo non è all’altezza di quella dei suoi coetanei calabresi.

La vita della comunità in cui si ritrova questa famiglia di sole donne è fortemente influenzata dalla Chiesa, che detiene ogni tipo di potere: non solo quello religioso, ma anche quello politico, in quanto il prete obbliga i propri parrocchiani a votare un determinato partito, e quello economico, come si può dedurre dal fatto che la famiglia di Marta paga l’affitto al prete..

Fantastica l’immagine del camioncino elettorale che accompagna la processione...

Alice Rohrwacher, sorella dell’attrice Alba, debutta come autrice con un film che tratta con sottigliezza un tema delicato e forte come quello dell’ingerenza del clero nella vita comune degli italiani. Senza essere particolarmente accusatorio o satirico, il film riesce a inserire con grande naturalezza temi molto pesanti, mostrando perfettamente come questioni che in altri contesti nazionali o culturali potrebbero sembrare assurdi in Italia si insinuano con estrema naturalezza nelle vite dei cittadini.

Il film ha avuto l’onore di essere presentato alla Quinzaine des realisateurs del Festival di Cannes, mostrando al pubblico internazionale per l’ennesima volta un’Italia povera, incolta e bigotta.

Ma così come c'è anche un’altra Italia, c'è anche un’altra Marta: la ragazzina ci viene mostrata solo nel contesto domestico e parrocchiale, come se non esistessero la scuola e altri luoghi di formazione e crescita e questo è sicuramente uno dei più grandi limiti del film, incerto se attaccare o semplicemente registrare una realtà introiettata con sottomissione da molti italiani.

Così anche una delle scene finali, in cui un crocefisso, quasi rubato dall’ambizioso e speculatore prete, cade nel mare non ha nessun effetto scandaloso: le onde del mare lo cullano dolcemente, così come docilmente i parrocchiali accettano che la Chiesa detti le regole nella loro comunità, spesso stravolgendo la realtà.

A Messa, infatti, alcune donne pie faranno girare la calunnia secondo cui è stata Marta a far cadere appositamente il crocefisso.

Tra tutti i personaggi, quello che lascia più il segno è la catechista, che ingenuamente dedica la propria vita all’indottrinamento per vedersi umiliata da un vescovo dalle sembianze di Ratzinger che le ricorda, sprezzante ,che lei non ha alcun ruolo nella Chiesa.

La Chiesa come luogo di potere, menzogne e corruzione: temi importanti e coraggiosi, ma anche già visti e rivisti al cinema, che qui non sono supportati da una messa in scena particolarmente innovativa o interessante.

VOTO: 6,5

INCASSO TOTALE: 140.000 euro

Il cinepanettone vince a Natale, ma è doppiato da Sherlock Holmes negli incassi totali

2011-12-26T13:52:00.001+01:00

Ecco i primi risultati del weekend natalizio ancora in corso:

1. Vacanze di Natale a Cortina, con 4,5 milioni totali

2. Sherlock Holmes con ben 7,5 milioni totali

3. Il Gatto con gli stivali con 5 milioni totali

4. Finalmente la felicità con appena 4 milioni totali

6- Le idi di marzo totalizza appena 1,2 totali dimostrando di essere troppo impegnativo

All’8° resiste Midnight in Paris che ha superato i 7 milioni totali

Sherlock Holmes: tanta adrenalina e poco Conan Doyle

2011-12-23T11:19:00.000+01:00

SHERLOCK HOLMES

GIOCO DI OMBRE

(SHERLOCK HOLMES-

GAME OF SHADOWS)

di Guy Ritchie

USA, 2011

Action

con Robert Downey Jr, Jude Law, Noomi Rapace, Rachel McAdams

Watson (Jude Law) finalmente si sposa e rinuncia definitivamente a collaborare con Sherlock Holmes (Robert Downey Jr) che però viene coinvolto in un affare molto importante con ripercussioni anche sul fido amico: Holmes si ritrova a dover sconfiggere da solo l’uomo più pericoloso d’Europa, pronto a far scoppiare una guerra mondiale. Grazie al nostro eroe, questo evento potrebbe essere rimandato di qualche decennio.

Senza l’effetto sorpresa del primo episodio, questo Sherlock Holmes antesignano di James Bond, tutto astuzie, arti marziali, inseguimenti ed esplosioni, mostra di avere il fiato corto a causa di una sceneggiatura che sacrifica la trama in nome dell’azione.
I siparietti tra Holmes e Watson non sono più così divertenti , anche se le trovate simpatiche non mancano.
Resta comunque un solido action movie, che potrebbe candidare Guy Ritchie alla regia del prossimo James Bond, e conferma il grande talento visivo del regista, che ci regala Con sceneggiature migliori il regista potrebbe fare grandi cose.

VOTO: 6,5

Film perso n°3: Hanna

2011-12-21T20:41:00.000+01:00

HANNA

di Joe Wright,

UK, Germania, USA

Action,

con Saoirse Ronan, Cate Blanchett, Eric Bana

Se ti piace guarda anche: Push, Amabili resti, Non lasciarmi

Perché recuperarlo? Perché è una botta di adrenalina, perché conferma che Joe Wright non è solo il regista degli adattamenti in costume con Keira Knitghley, perché Saoirse Ronan è un prodigio della natura e perché per rivedere Cate Blanchett dovremo aspettare fino al Natale 2012..

Hanna (Saoirse Ronan) è una ragazzina cresciuta nelle fredde foreste del Nord Europa, sola col padre (Eric Bana): non ha mai visto nessun altro, ma ha ricevuto un’educazione e un allenamento fisico straordinari. Un giorno arriva il momento di abbandonare questa vita per affrontare il mondo reale e le strade dei due dovranno dividersi, ma di certo Hanna non è una ragazzina che non sa badare a se stessa.

Pare che ci siano i servizi segreti tedeschi molto interessati a ritrovarla e la perfida agente (Cate Blanchett) è disposta a tutto.

Joe Wright è un regista di indubbio talento, capace di sorprendere ad ogni prova e suo agio nei drammoni in costume come nell’action tutto modernità e musica elettronica, negli adattamenti di classici letterari come in sceneggiature originali.

Dopo il folgorante debutto di Orgoglio e pregiudizio e la consacrazione di Espiazione che l’ha portato a un posso dall’Oscar, Wright ha cambiato direzione con Il solista, storia di un’amicizia virile ambientata nell’America di oggi con Robert Downey Jr e Jamie Foxx: il film se l’è cavata negli Usa, ma da noi non l’ha notato nessuno. Peccato che lo stesso valga anche per questo Hanna, un ottimo action costruito intorno alla figura di questa ragazzina davvero tosta. Formidabile è pure Saoirse Ronan, rivelazione di Wright in Espiazione, grazie al quale ricevette la nomination all’Oscar a 13 anni. Oggi, a soli 17 anni la ragazza vanta già due film da protagonista (l’altro era di Peter Jackson, Amabili resti) e anche in questa pellicola si conferma attrice eccellente.

Al suo fianco, nel ruolo minore di perfida nemica, una Cate Blanchett per una volta nei panni di un personaggio spregevole che però non lascia il segno come le sue precedenti incarnazioni cinematografiche. Nonostante qualche buco di sceneggiatura, il film scivola via velocissimo, grazie a un ritmo serrato, un’adrenalica e pazzesca colonna sonora e un montaggio e una fotografia accattivanti.

voto: 7,5

BOX OFFICE:

410.000 euro in Italia,

41 milioni in USA

Le idi di marzo: un film audace nei contenuti ma trattenuto nella forma

2011-12-21T10:00:00.000+01:00

LE IDI DI MARZO

(THE IDES OF MARCH)

Di George Clooney

USA, 2011

Dramma politico

Con Ryan Gosling, George Clooney, Evan Rachel Wood, Philip Seymour Hoffman, Paul Giamatti, Max Minghella e Marisa Tomei

Se ti piace guarda anche: Il Candidato, Leone per agnelli, Syriana, Taxi Driver

Candidato a 4 Golden Globes, tra cui miglior dramma, miglior regista e miglior attore protagonista

Il rampante e brillante addetto stampa Steven (Ryan Gosling) è al servizio, al fianco di Paul (Philip Seymour Hoffman) del candidato democratico Morris (George Clooney), ma viene corteggiato dal rivale Tom (Paul Giamatti) e sedotto dalla stagista minorenne Molly (Evan Rachel Wood): due imperdonabili errori che..faranno decollare la sua carriera.

È la solita storia su quanto sia corrotta la politica, e su quanto siano corrotti o corruttibili anche i più idealisti e all’apparenza integerrimi personaggi che ne fanno parte.

Eppure è una storia sempre attuale, attualissima, soprattutto in un momento di gravissima crisi come questo. Il succo è che ogni politico, anche quello che appare migliore, ha cadaveri nell’armadio, e che nessuno, ma proprio nessun presidente o aspirante tale sappia resistere al fascino di una stagista e/o di una minorenne..Senza parlare delle frecciate alla stampa (impersonata dalla figura viscida della giornalista del Times di Marisa Tomei) e di tutti i suoi meccanismi, altrettanto loschi e immorali.

La disillusione di Clooney, il quale si impegnò in prima persona a sostenere Obama, sembra insomma immensa e la sua tesi pare sostenere che non si possa davvero trovare onestà in un ambiente pieno di squali.

Questa sua opinione è messa in scena nel più classico dei modi, nel perfetto stile hollywoodiano al quale Clooney ci ha abituato nelle sue prove da regista, sempre ammirevoli per l’impegno politico e anche per la capacità di riunire cast stellari e allestire grandi set con mezzi a dir poco esigui (appena 12 milioni il budget di quest’ultima opera che raggruppa premi oscar e due degli attori emergenti più in voga). Ma se si cerca audacia nelle scelte narrative o tecniche allora bisogna guardare altrove, perché il Clooney regista è fedelissimo al cinema classico hollywoodiano che tanto ama e che rende i suoi film atemporali, degli instant classics adatti a un pubblico di 40 anni fa come a quello attuale, il che per certi versi può essere un pregio, ma personalmente considero un peccato non volersi confrontare con più innovative tecniche espressive.

Lode comunque all’impegno e al coraggio di Clooney regista, produttore, sceneggiatore (assieme al Grant Heslov regista di L’uomo che fissa le capre e Beau Willimon che adatta il proprio lavoro teatrale) e attore (in un un ruolo peraltro scomodissimo).

Suggerisco di ripescare a questo punto due film con Robert Redford: Il Candidato per quanto riguarda il lato “marcio” della politica, e Leoni per agnelli per assistere alla messa in scena della passione per la politica.

E voi quale Clooney preferite? L’attore o il regista?

VOTO: 7-

Film perso n°2: Easy A

2011-12-20T10:00:00.000+01:00

EASY GIRL

(EASY A)

di Will Gluck, USA 2010

Commedia

con Emma Stone, Amanda Bynes, Penn Bagdley, Patricia Clarkson, Stanley Tucci

Se ti piace guarda anche: Amici di letto, Mean Girls, Glee, La lettera scarlatta (preferibilmente quella di Sjostrom del '27 e non quella di Joffré del '95 con Demi Moore che si fa tanti bagni e neppure quella di Wim Wenders che non è per nulla riuscita)

Da recuperare perché: negli USA è stata, a ragione, la commedia rivelazione dell'anno, mentre in Italia è passata del tutto inosservata a causa di una distribuzione "tecnica".

Olive (Emma Stone) decide di raccontare davanti alla webcam le vicende che in poche settimane l’hanno resa la ragazza più chiacchierata della scuola.

L’intera scuola infatti la considera una grandissima sgualdrina mentre in realtà la ragazza è ancora vergine.

Tutto comincia con una bugia detta a un’amica, poi questa intima confessione si sparge in tutto l’istituto e molti sfigati la pagano per dire in giro che l’hanno fatto con lei. Olive, che non sa negare un po’ d’aiuto ai bisognosi, accetta, finché non è considerata da tutti la meretrice della scuola. Uso questo termine biblico proprio perché tra le sue più acerrime nemiche si ritrova un’ultra cattolica invasata che crede nel sesso dopo il matrimonio e che si sforza invano di accettare le sgualdrine e i gay. Per fortuna che il principe azzurro (Penn Bagdley) è alla porta sotto il costume da marmotta, o il cappello da aragosta!
La A del titolo originale si riferisce alla A che l’indimenitcata protagonista del capolavoro La Lettera Scarlatta portava sempre cucita al petto, come dimostrazione pubblico del suo peccato, l’adulterio. (Io amai moltissimo questo romanzo e mi ricordo che nella mia recensione del film con Demi Moore scrissi le stesse cose dette qui!)

La nostra Olive (che è l’acronimo di “I love”), decide anche lei di indossare questa “A”, sebbene non sia adulterina ma bugiarda..

Il giovane Will Gluck quest’anno si è imposto come una delle più interessanti novità nel panorama della commedia hollywoodiana, alla quale ha portato una ventata di freschezza e soprattutto di qualità grazie a due commedie, questa Easy A e Amici di letto, che sono davvero deliziose.

Si ride di gusto e si ride col cervello. La sceneggiatura di Bert V. Royal è ottima, ma non mancano anche trovate registiche e drammatiche simpatiche, nonché una spietata analisi dei rapporti umani, senza dimenticare riflessioni sociologiche e frammenti meta cinematografici (qui si parla delle commedie giovanilistiche degli anni ’80, nel secondo delle storie d’amore al cinema o in Tv).

Questo Easy A, ha inoltre il merito di rivelare al grande pubblico Emma Stone, concentrato scottante di talento e bellezza, nominata al Golden Globe. Al suo fianco, tanti bravi comprimari, come Stanley Tucci e Patricia Clarkson, esilaranti nei panni di due genitori completamente fuori di testa, Pen Bagdley di Gossip girl, descamisado in metà delle scene e vestito in maniera ultra comica nell'altra metà delle sue apparizioni (Diavolo Blu, Marmotta, Uomo Aragosta), l’ Amanda Bynes di Hairspray perfetta nella diabolica bigotta, Lisa Kudrow di Friends labile psicologa scolastica e perfino Malcom MacDowell nei panni del preside.

Una sorpresa piacevolissima che ha imposto due nuovi talenti, capace di incassare la bellezza di 60 milioni negli USA e ricevere ottime recensioni.

In Italia? Uscita a marzo in qualcosa come 13 copie, per quella che viene definita una “uscita tecnica”, ha incassato 37.000 euro, ovvero quanto Natale a non so dove incasserà più meno in un’ora, proprio adesso mentre state leggendo.

Già, da noi non si può ridere con la testa, ma solo “di pancia”, per non dire altro.

BATTUTE CULT:

La lettera scarlatta, ma non la versione con Demi Moore in cui tenta un falso accento inglese e si fa un sacco di bagni..(Olive)

Ti vogliamo bene, non importa quale sia l’orientamento sessuale del tuo partner sessuale di sesso opposto. (madre di Olive)

Dove trovo la Bibbia?

Nei bestseller, accanto a Twilight (Olive e un libraio).

VOTO: 7-

Dio esiste: i cinepanettoni floppano nel weekend d'esordio!

2011-12-19T16:08:00.001+01:00

So che è ancora troppo presto per festeggiare, anche perché questo genere andrà al meglio soprattutto nel lungo weekend dal 23 al 26, ma se il buongiorno si vede dal mattino, i dati del debutto degli ultimi due cinepanettoni italiani fanno ben sperare.

Neri Parenti e Pieraccioni sono stati infatti doppiati dal Sherlock Holmes e il Gatto con gli stivali: quasi 4
milioni per Guy Ritchie, quasi 3 per il cartoon in 3D, e i due italiani praticamente in pareggio con 1, 6 milioni. Un abisso li separa dal film di George Clooney, appena 600.000, euro, più o meno come Woody Allen che però resiste benissimo.

Restando in tema dei cinepanettoni, il trailer di Vacanze di Natale a Cortina non l’ho ancora visto (meno pubblicità quest’anno?), quello di Pieraccioni purtroppo sì. E vorrei fare un'osservazione: nel trailer non vengono scelti gli spezzoni più accattivanti e le battute più divertenti, cioè quegli elementi che ti fanno decidere di andare al cinema?

Dunque devo dedurre che io dovrei decidere di andare al cinema perché mi sono sbellicato dalle risate con queste battutone?

1) -Lei che mestiere fa?

- Anche io sono musicista.

-Farmacista?

Caspita che ridere! un fraintendimento perché la signora non sente bene! Ha scambiato musicista con farmacista! Non ci posso credere! ma come si fa a scrivere battute così divertenti? Sto piangendo dal ridere!

Poi, vediamo due soccorritori che dicono che stanno trasportando in ambulanza anche il compagno del paziente, al che Pieraccioni fa :
2) - Ma che cazzo dici suo compagno? Sono un amico!

Caspita che risate! Mi sono proprio pisciato addosso, che genio della risata Pieraccioni! non riesco a smettere di ridere...

Cronaca di un amore: il debutto di Antonioni

2011-12-15T19:28:00.001+01:00

CRONACA DI UN AMORE

di Michelangelo Antonioni,

Italia, 1950

con Lucia Bosé & Massimo Girotti

Se ti piace guarda anche: Desiderio, Ossessione

Siamo a Milano, dove un ricco industriale vuole indagare sul passato della giovane moglie Paola (Lucia Bosé), sposata un anno prima. Tutto quello che sa è che la donna, ferrarese, si è trasferita a Milano nel 1943.

In questo modo il marito metterà in moto una catena di eventi che porterà la moglie a rimettersi con l’amante di gioventù Guido (Massimo Girotti) ma soprattutto lo porterà alla morte.

Slogan del film potrebbe essere insomma“la curiosità uccide”.

Il film inizia come una sorte d’indagine, poi si trasforma nella progettazione di un crimine, ma in fondo è soprattutto una storia d’amore.

Il film non fu esattamente un grande successo, ma sarebbe stato rivalutato di lì a poco.

In ogni caso lanciò Lucia Bosé, ex Miss Italia, che nello stesso fu protagonista di due film diventati poi storici.

Se dal punto di vista dei contenuti Cronaca di un amore è la trasposizione alto-borghese di Ossessione, dal punto di vista tecnico si osservano molte novità: i lunghi piani sequenza, l’attenzione agli ambienti (molte zone inedite di Milano, tra cui il Vermezzo e l’Idroscalo) e agli oggetti (il vestiario di Paola, frivolo e vuoto come la classe che rappresenta).

La colonna sonora di Giovanni Fusco, a sax e piano, fu premiata con il Nastro d’argento.

GLI ATTORI

Lucia Bosé. Nata nel 1931, commessa, poi Miss Italia, infine grande attrice del cinema italiano del dopoguerra. A lei presto dedicherò una monografia

Massimo Girotti. A lui ho già dedicato un’ampia monografia qui.

Michelangelo Antonioni

2011-12-12T20:46:00.001+01:00

Michelangelo Antonioni nasce il 29 settembre 1912 a Ferrara ed è morto a Roma il 30 luglio 2007.

Laureato in Economia all’Università di Bologna, scrive di cinema per alcune testate e frequenta poi il Centro Sperimentale di Cinematografia.

La sua prima attività nel mondo del cinema è come sceneggiatore in Un pilota ritorna di Roberto Rossellini, film bellico del 1942 con Massimo Girotti. L’anno seguente è aiuto regista di Marcel Carné, mentre il suo primo lavoro da regista è un corto le cui riprese durano più di due anni, Gente del Po.

Conosce Luchino Visconti, col quale inizia a collaborare a un paio di progetti mai andati in porto.

Nel 1947 firma la sua seconda sceneggiatura per un film di Giuseppe De Santis, Caccia tragica, anche questo con Massimo Girotti.

Per il suo film di debutto, chi dunque se non lo stesso Girotti come protagonista?

Il film in questione è Cronaca di un amore, datato 1950, che riprende il tentativo di Visconti (Ossessione) di importare il noir in Italia. Nel ’53 dirige due film, I Vinti e La signora senza camelie, scritto per Gina Lollobrigida che però rifiuta la parte, andata poi a Lucia Bosé. Nel 1952 Federico Fellini prende spunto da un suo corto per Lo Sceicco Bianco. Nel ’55 Antonioni dirige Le amiche, adattando Tra donne sole di Cesare Pavese, scrittore come lui particolarmente attento alla psiche e alle tematiche esistenzialiste.

Ciò è ancor più visibile nel dramma Il Grido del 1957, con Alida Valli, che getta i semi di quella che sarà la celeberrima tetralogia esistenziale con Monica Vitti, sua compagna: in 5 anni 4 film: L'avventura, La notte, L'eclisse, Il Deserto rosso.

Diventato celebre in tutto il mondo (vincendo premi a Cannes, Berlino e Venezia), Antonioni intraprende una carriera internazionale sotto la guida del produttore Carlo Ponti, marito di Sophia Loren.

Arriva così un trio di pellicole internazionali di successo come Blow Up (1966), Palma d’oro a Cannes, Zabriskie Point (1970) e Professione Reporter (1975) col grande Jack Nicholson.

Le cose vanno diversamente quando torna a lavorare in Italia, dove il cinema è in crisi profonda: ad Antonioni, così come ad altri maestri in quegli anni (da Rossellini a Fellini) non rimane altro che la Tv, dove accetta di portare nel 1980 un’opera sperimentale, il Mistero di Oberwald, in cui torna a dirigere l’ex compagna e musa Monica Vitti. Nonostante le aspettative il progetto però non è del tutto riuscito.

Lo stesso vale per Identificazione di una donna, del 1982, in cui appare in tutta la sua irruenza un erotismo assai esplicito che diventerà sempre più esasperato nell’ultima parte della sua carriera.

Lo steso anno un ictus lo priva quasi del tutto dell’uso della parola e lo lascia paralizzato dal lato destro.

L’unico suo lavoro tra l’82 e il ’95 è il video di Fotoromanza di Gianna Nannini, del 1984.

Nel 1995 arriva l’Oscar alla carriera, dopo qualche nomination nei decenni precedenti e a Michelangelo torna la voglia di lavorare ancora: così, aiutato dall’ammiratore Wim Wenders gira Al di là delle nuvole, trascurabile dramma erotico ispirato alla sua bella raccolta di racconti Quel bowling sul Tevere.

Nel 2004 adatta un altro racconto, Il filo pericoloso delle cose, per un alto film ad altissimo tasso erotico dal non casuale titolo Eros. Purtroppo è l’ultimo film del maestro, che muore nel 2007, nello stesso giorno in cui è morto Ingmar Bergman, altro maestro fondamentale del cinema del Novecento.

È sepolto nella Certosa di Ferrara.

FILMOGRAFIA

1950. Lucia Bosé e Massimo Girotti in CRONACA DI UN AMORE

1953. Lucia Bosé in LA SIGNORA SENZA CAMELIE

1957. Alida Valli in IL GRIDO

1960. Monica Vitti in L'AVVENTURA

1961. Jeanne Moreau e Marcello Mastroianni LA NOTTE

1962. Monica Vitti e Alain Delon in L'ECLISSE

1964. Monica Vitti in IL DESERTO ROSSO

1966. Vanessa Redgrave in BLOW UP

1970. ZABRISKIE POINT

1975. Jack Nicholson e Maria Schneider in PROFESSIONE REPORTER

1980. Monica Vitti in IL MISTERO DI OBERWALD

1982. Tomas Milian in IDENTIFICAZIONE DI UNA DONNA

1994. Jeanne Moreau e Marcello Mastroianni AL DI LA' DELLE NUVOLE

1997. Luisa Ranieri in EROS

Film perso n°1 : Boris

2011-12-10T18:29:00.001+01:00

BORIS

IL FILM

di Giacomo Ciarrapico, Mattia Torre, Luca Vendruscolo

Italia, 2011

con Francesco Pannofino, Alesandro Tiberi, Pietro Sermonti, Carolina Crescentini, Antonio Catania

INCASSO ITALIANO: 1.120.000 €

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Attesissimo dai fan della serie e non solo, quello che si può considerare uno dei primi lungometraggi cinematografici italiani tratti da una serie Tv, nonostante la fiducia dei distributori si è rivelato un grande fiasco.

Perché? Ovviamente l’unica risposta plausibile è perché si tratta di un film italiano di qualità.

Boris infatti, diretto da Ciarrapico, Vendruscolo e Torre, i tre sceneggiatori autori anche della fortunata serie Tv di Fox, mette in scena il mondo dei registi e degli sceneggiatori, raggruppando tutti i personaggi che compaiono regolarmente nella serie, diventati di culto a un piccolo pubblico di nicchia e ai critici che hanno apprezzato una delle serie italiane più innovative degli ultimi anni. Abbiamo così l’attrice cagna e zoccola Corinna (Carolina Crescentini), l’attore sfigato Stanis che per una parte è disposto a qualsiasi cosa (Pietro Sermonti),gli assistenti Alessandro (Alessandro Tiberi) e Arianna (Caterina Guzzanti) , il comico “Sti cazzi” Nando Martellone che ha un enorme successo con i suoi show nei palazzetti dello sport (il Massimiliano Bruno regista di Nessuno mi può giudicare) e tanti altri.

La trama del film ruota attorno al regista René Ferretti (Francesco Pannofino) che a un certo punto abbandona le riprese del telefilm su Ratzinger Giovane e dopo un periodo di crisi riesce a ottenere l’ingaggio per dirigere un film politico di denuncia, tratto da un bestseller. I produttori però si ritirano, per cambiare poi idea di fronte alla proposta di un cinepanettone. E così sia.

Irriverente, cinico, spietato nei confronti del mondo della tv e del cinema, Boris coglie nel segno, facendosi apprezzare dagli addetti al lavoro, letteralmente messi alla berlina, ma anche da un pubblico più vasto grazie alle trovate e alle battute esilaranti.

Evidentemente al cinema ci sono andati solo i fan della serie e nessun altro. Peccato. E per una volta non si possono incolpare i distributori che avevano dimostrato molta fiducia.

Scena cult: ce ne sarebbero tante, ma ricordo qui quella in cui René va al cinema ed è praticamente costretto a vedere Natale al Polo Nord, perché tanto non c’è nient’altro.

Di fronte alle volgarità sconcertanti del film rimane stupefatto ed è l’unico inorridito mentre la sala intera ride a crepapelle. Mi ha ricordato molto me stesso.

VOTO: 7

menù di dicembre

2011-12-08T23:47:00.001+01:00

Il mese di dicembre, come sempre, è dedicato alle classifiche di fine anno, ma anche alle recensione dei film passati inosservati e che secondo il sottoscritto andrebbero recuperati.

Come avrete notato poi, il look del blog è rimasto invariato: ciò è dovuto al fatto che l’icona cinematografica di dicembre sarà Antonioni e quindi questa immagine tratta da L’eclisse è più che mai pertinente.

Infine esce di scena la rubrica dedicata ai dischi, visto il poco successo raccolto e considerato che questo è un blog sul cinema.

Buona lettura!

Scialla! Un film da non perdere!

2011-12-07T13:26:00.000+01:00

SCIALLA!

(STAI SERENO)

di Francesco Bruni,

Italia, 2011

con Francesco Scicchitano, Fabrizio Bentivoglio, Barbora Bobulova

Premio Controcampo Italiano alla Mostra del Cinema di Venezia, 2011.

Se ti piace guarda anche: Cosmonauta, Il primo giorno d'inverno, Fa' la cosa sbagliata, Caro Diario

In programmazione ancora in 121 sale

Il film si apre con Luca (Filippo Scicchittano), è un ragazzo di quasi 16 anni che va malissimo a scuola (la foto qui a fianco illustra una sua lezione tipo), è totalmente privo di disciplina e sembra interessato solo all’hip hop e alla boxe. La madre gli paga delle lezioni private da un ex professore, Bruno (Fabrizio Bentivoglio), una sorta di Dude-Lebowski che passa il tempo in pigiama e che si è messo a fare il ghostwriter per le memorie di un ex pornodiva (Barbora Bobulova).

Ma quando Bruno scopre che Luca è in realtà suo figlio, tutto cambia…

Che l’esordiente regista Francesco Bruni abbia alle spalle un’importante carriera da sceneggiatore (tutti i Virzì, molti episodi di Montalbano) si vede benissimo poiché finalmente assistiamo a un film italiano ben scritto, senza cadute di ritmo o dialoghi e situazioni che gridano vendetta.

Tutto è naturale, spontaneo, come la recitazione dell’ottimo esordiente non professionista Scicchittano.

Le situazioni, i dialoghi, i tempi sono azzeccati, gli interpreti strepitosi: insomma una gradevolissima quanto eclatante sorpresa per il cinema italiano, giustamente premiata all’ultimo film di Venezia nella sezione Controcampo. Siamo di fronte a un film italiano che merita di essere lodato, amato e soprattutto guardato, anche se ciò, naturalmente non sta accadendo (anche se 2 milioni di euro per un esordiente italiano è comunque un dato quasi positivo).

Il termine commedia generazionale qui calza a pennello visto che il film offre uno sguardo sincero su due generazioni a confronto: quella disillusa e rassegnata che ha vissuto il ‘68 e ha visto concretizzarsi nella generazione successiva tutti i timori e gli ostacoli da combattere e quella dei giovani d’oggi che di ideali non ne hanno affatto (e neppure disciplina).

Una visione certamente parziale, ma lo è anche quella degli adolescenti italiani dipinti nella maggior parte delle nostre pellicole (ad eccezione di Cosmonauta o Il Primo giorno d’inverno, che consiglio di recuperare nonostante la difficile reperibilità). Per una volta infatti la vita del teenager non ruota interamente intorno alla perdita della verginità a o un lucchetto su un ponte.

E senza pedanteria, moralismi, volgarità o scene madri ricattatorie, il film è educativo, sociologicamente importante, divertente e in qualche modo commovente nella sua tenerezza di fondo. Perché questi due personaggi, non propriamente positivi, ma reali, innescano subito grande empatia con il pubblico e vorresti che le loro vicende non si concludano affatto dopo il film. Anzi. Qui una serie ci starebbe proprio, ma non di quelle poliziesche che piacciono tanto ai pischelletti e che quindi fanno soldi (così dice il personaggio di Vinicio Marchioni, star di Romanzo Criminale), ma una sugli adolescenti veri, perché non tutti sono tutti figli di Moccia o di Twilight.

VOTO: 8-

La ragazza con la pistola

2011-12-05T10:31:00.001+01:00

LA RAGAZZA CON LA PISTOLA

di Mario Monicelli

ITALIA, 1968

con Monica Vitti, Stanley Baker, Carlo Giuffré

Se ti piace guarda anche: Sedotta e abbandonata, Matrimonio all'italiana

Assunta (Monica Vitti) è disonorata da Vincenzo ( Carlo Giuffré), “anche se lei di marmo è rimasta” e lo insegue fino a Londra per vendidare il suo onore.

A Londra dopo mille peripezie e dopo aver fatto innamorare un altro uomo (Stanley Baker) ritroverà Vincenzo, ma..

Il Mereghetti la definisce “commedia all’italiana pre-sessantotto”, ed è proprio vero che questo film è datato, soprattutto se confrontato con pellicole come Prima della rivoluzione che anticipavano di gran lunga il ’68.

Il Morandini invece la definisce una commedia all’italiana “con una bieca insistenza sui più vieti luoghi comuni sul sud”.

Ma allora perché tanto successo, e per lo più mondiale?

Il successo internazionale è facilmente comprensibile: agli stranieri piacciono questi italiani pittoreschi, uomini maschilisti d’onore e povere donne disonorate ma coraggiose, possibilmente calati in un ambiente di grande povertà ed arretratezza culturale ed economica. Sono passati più di 40 anni, ma questa è ancora la ricetta giusta per arrivare agli Oscar, basta vedere quello che è successo quest’anno con Terraferma, scelto come possibile candidato agli Oscar.

La ragazza alla pistola agli Oscar ci arrivò, con sdegno o perlomeno sorpresa di molti critici.

In Italia il film ebbe un enorme successo popolare, decretando la fama della Vitti come attrice comica. Dire però che è stato Monicelli a scoprire la vena comica dell’attrice è errato, visto che di commedie ne aveva fatte, come dimostrano La cintura di castità e Ti ho sposato per allegria, uscite l’anno precedente. È vero piuttosto che Monicelli trasformò la Vitti in un’attrice comica di successo. Ma se questo è un merito o una colpa non è mio compito decretarlo.

Di sicuro l’interpretazione della Vitti è come al solito irresistibile, nonostante una sceneggiatura debole e una durata eccessiva. Una meravigliosa fotografia e un ottimo montaggio riescono a dare comunque ritmo alla commedia e a restituire il fascino della colorata Swinging London degli anni ’60, passando pure per Bath. La parte inglese, insomma, è una sorta di tour dell'Inghilterra e un modo per ammirare la Vitti in innumerevoli cambi di look.

Un Woody Allen ritornato alla magia di un tempo grazie alla fascino di Parigi

2011-12-02T10:00:00.000+01:00

MIDNIGHT IN PARIS

di Woody Allen,

Usa/Francia, 2011

con Owen Wilson, Rachel MacAdams, Marion Cotillard, Michael Sheen, Corey Stell, Kathy Bathes, Lèa Seydoux, Carla Bruni

Se ti piace guarda anche: Manhattan, Vicky Cristina Barcelona, La rosa purpurea de Il Cairo, 2 giorni a Parigi

DATA DI USCITA ITALIANA: 2 DICEMBRE

Uno sceneggiatore hollywoodiano (Owen Wilson) è a Parigi con la fidanzata (Rachel MacAdams): lui un aspirante scrittore, sognatore e intellettuale, lei una donna pragmatica e viziata. Una notte, a mezzanotte, un’auto d’epoca porta il protagonista in un viaggio nel tempo, e per lui sarà l’inizio di una consuetudine che ripeterà per diversi giorni e che gli permetterà di capire molte cose. La trama l'avevo già anticipato nei dettagli a maggio, quindi non mi dilungo oltre.

Non è una storia particolarmente intricata o originale, la fotografia (del Darius Kondhj di Seven, La nona porta, Funny Games, Evita) è deliziosa ma non stupefacente, così come la colonna sonora. Ciò che parzialmente delude sono però la sceneggiatura e la direzione degli attori, più che ottime, ma essendo due arti in cui Allen ha eccelso era lecita aspettarsi di più.

Il film è scritto benissimo infatti, ma non ci sono battute fulminanti o particolarmente divertenti, come era successo per esempio in un film non troppo lontano come Basta che funzioni. E non c’è nessuna performance da Oscar nell’ultimo film del regista che ha fatto vincere il più alto numero in assoluto di premi ai propri attori. Eppure è tutto delizioso, piacevole, magico. Senza aver realizzato un capolavoro Woody Allen è riuscito in imprese difficili da trovare altrove: è stato in grado di raccontare il suo amore per Parigi, per la letteratura, per l’arte e per il cinema e ciò traspare da ogni inquadratura. In un anno in cui grandi maestri, più giovani di lui, hanno deluso (Almodovar, Cronenberg, Polanski, Von Trier), Allen dimostra ancora una volta grandissima vitalità nonostante l’età, riprendendo dal non riuscito Incontrerai l’uomo dei tuoi sogni. Così, dopo un’amara tetralogia londinese e un caloroso inno alla vita ambientato a Barcellona, Allen firma un film ottimista tramite una lettera d’amore per una Parigi mai così da cartolina eppure tutt’altro che irritante o banale, perché Parigi è una cartolina, un posto magico in cui tutto può succedere. Come incontrare una serie di personaggi illustri del passato, da Hemingway (ottimo l'imponente Corey Stall), a Gertrude Stein (strepitosa Kathy Bates trilingue), Dalì (spassoso negli eccentrici panni di Adrien Brody), Picasso (Marcial Di Fonzo Bo ) e la sua amante Adriana, intepretata da una come sempre meravigliosa e radiosa Marion Cotillard, il cui sorriso è pura magia.

Tra gli attori anche Michael Sheen nei panni di un pedante americano e Carla Bruni, alla quale, a sorpresa, è affidata la battuta-summa del film:

“Il fatto che Parigi esista e che qualcuno scelga di non viverci rimarrà sempre un mistero per me”.

Impressionante la somiglianza della voce di Wilson con quella di Allen e ancor più impressionante che il regista abbia preteso o permesso che l’attore lo imitasse a tal punto per mettere in scena questo suo ennesimo alter-ego.

Geniale l’idea che il nostro protagonista dal futuro suggerisca a Buñuel la trama de L’angelo sterminatore, il tutto poi davanti a uno struzzo che rimanda a Il Fantasma della Libertà: una scena per intenditori che mi ha procurato pura goduria.

Dopo tanti anni passati a seguire il cinema di Allen, questo film sembra un dono che ha voluto gentilmente concedermi, in quanto in questa pellicola c’è quello che voglio, vorrei, sono e sogno e vedere tutto racchiuso in unico film è qualcosa di indescrivibile.

Come giudicare dunque un film così? Tecnicamente più che discreto, emotivamente da 10 e lode.

VOTO: 8

The (LIKE A) VIRGIN Queen

2011-11-30T10:00:00.000+01:00

ANONYMOUS

di Roland Emmerich

Germania, 2011

con Rhys Ifans, Vanessa Redgrave, Joely Richardson, Jamie Campbell Bower

Genere: film in costume inglese

Se ti piace guarda anche: L’altra donna del re, Elizabeth, The Tudors, Shakespeare in love, Stage Beauty

Attualmente in 226 sale italiane

TRAMA (CON SPOILER)

Elizabeth la Regina Vergine era in realtà una donna di facili e bizzari costumi che sfornò un gran numero di figli che allontanò, scopò e decapitò. Con uno di questi, tale conte di Oxford, ci fece pure un figlio. Sconvolto da una vita a tinte così forti, il povero figlio-amante di Elizabeth si sfogò scrivendo decine e decine tra sonetti, tragedie e commedie, ma essendo un gentiluomo non poteva di certo firmarle e così si rivolse a un certo Ben Johnson affinché le pubblicasse a suo nome, ma questi fu fregato da un tale William Shake-speare (Rafe Spall, al cinema anche con One day), un analfabeta dedito all’alcool e alle prostitute.

Questa in breve la storia di una delle penne più amate e influenti della storia umanità, colui a cui si deve in un certo senso anche l’idea stessa di storia e quindi di cinema.

RECENSIONE

Ma non è il revisionismo che infastidisce, anzi, in fondo può essere curioso vedere rappresentati come vili e spregevoli personaggi come Elisabeth, Shakespeare e Marlowe: il problema è il modo in cui il regista tratta la materia. Non si capisce bene se a Emmerich piaccia Shakespeare o lo detesti, ma si capisce benissimo che coi film in costume non ha dimestichezza.

La ricostruzione di Londra è piacevole, le scene teatrali fedeli, alcune performance notevoli, ma in queste interminabili due ore e dieci minuti si salva davvero poco, tanto che la noia porta a invocare a gran voce la parola fine, finché, una volta usciti di sala rimane ben poco da ricordare.

Insomma siamo dalle parti del polpettone patinato revisionistico in stile L’altra donna del re, e anche qua l’aspetto più interessante è il cast: Ranessa Redgrave, sempre ottima, interpreta Elizabeth da vecchia, mentre la figlia Joely Richardson interpreta la regina da giovane. Per gli (le) amanti della saga di Twilight c’è da segnalare la presenza di due vampirelli: Jamie Campbell Bower (Conte di Oxford) e Xavier Samuel (Conte di Southtampton).

Insomma esattamente ciò da cui si poteva aspettare da un'operazione del genere.

VOTO: 5-

La cintura di castità, una commedia boccaccesca da riscoprire?

2011-11-27T16:32:00.001+01:00

LA CINTURA DI CASTITA'

di Pasquale Festa Campanile,

ITALIA, 1967

Genere: Commedia italiana boccacesca

Guerrando (Tony Curtis) è un cavaliere che corteggia senza sosta la bella Boccadoro (Monica Vitti), che non ne vuole assolutamente sapere e ne inventa sempre una nuova per fuggirgli.

Sempra di assistere a una puntata di Tom & Jerry, tanto sono assurde le mosse dei due, fra i quali c’è anche Marculfo (Nino Castelnuovo), servo di Guerrando attratto da Boccadoro.

Alla fine Boccadoro cede e sposa Guerrando, che però è costretto a partire per le Crociate senza riuscire a consumare la prima notte di nozze. Imposta la cintura di castità all’irrequieta moglie, se ne parte in compagnia di Marculfo. Boccadoro non ha però alcuna intenzione di starsene ad aspettarlo con quell’ingombrante cintura e decide di seguirlo al fronte, dove, dopo mille peripizie che coinvolgono anche un sultano e il suo harem, riuscirà a raggiungere il marito.

La trama è solo un espediente per mettere in scena una serie di gag da cartone animato, ma il divertimento è assicurato. Fu lanciato a livello planetario come la svolta sexy e comica della musa di Antonioni, come si deduce del resto anche dalle locandine straniere. In ogni caso anche all'estero none ebbe successo.

Le trovate esilaranti si sprecano e non mancano alcune scene culto, soprattutto quelle di Monica Vitti con animali che hanno la sua stessa capigliatura: prima un cane, poi un cavallo.

Gli inseguimenti tra i due (prima lui insegue lei, poi i ruoli si ribaltano) sono godibilissimi, Monica Vitti è di una bellezza disarmante e radiosa, Tony Curtis perfetto nei panni del mascalzone in calzamaglia, Nino Castelnuovo sembra destinato a diventare uno dei belli del cinema italiano.

Le immagini poi sono impreziosite dal contributo del direttore della fotografia Carlo di Palma, che aveva sostituito Antonioni nel cuore di Monica Vitti.

Eppure nonostante tutto ciò, il film fu accolto malissimo dalla critica e male dal pubblico. Ancora oggi, sfogliando dizionari e siti, si leggono solo stroncature.

Possibile che solo io l’abbia trovato fresco e divertente nonostante i 45 anni che porta? È sì una commedia esile e senza pretese, eppure è altresì molto più piacevole della maggior parte delle commedie che affollano ora i nostri cinema. Io quindi consiglio di recuperarlo e rimango in attesa delle vostre opinioni.

REGIA

Pasquale Festa Campanile (1927-1986)

Campanile, dopo una carriera di sceneggiatore e dialoghista che definire prestigiosa sarebbe riduttivo (Rocco e i suoi fratelli, Il Gattopardo), esordì come regista con commedie in costume, per passare poi alle commedie con Montesano e Pozzetto degli anni ’70 e ’80, con titoli come Porca Vacca e Il Petomane.

ATTORI

MONICA VITTI

Protagonista irrequieta e supersexy, è alla sua seconda commedia brillante in un anno. Anche se tutti ancora oggi insistono erroneamente a dire che fu Monicelli a scoprirne la vena comica.

TONY CURTIS

(1925-2010). Nella carriera del divo di A qualcuno piace caldo questa breve parentesi italiana non portò particolare fortuna.

NINO CASTELNUOVO

Nei panni di Marculfo, è la spalla di Curtis. Nato nel ’36, dopo una lunga gavetta (tra cui un piccolo ruolo in Rocco e i suoi fratelli) riuscì a imporsi grazie a una seguitissima versione tv de I Promessi Sposi, poi la sua carriera declinò velocemente, specializzando in B-movies e rimanendo coinvolto in guai finanziari.

I wanna make you happy

2011-11-25T10:00:00.000+01:00

THE KOOKS

THE JUNK OF THE HEART

UK, 2011

GENERE: rock indipendente

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Rivelazione nel 2005, The Kooks al terzo album confermano le aspettative realizzando un album piacevolissimo.

Io me ne innamorai da quando sentii la prima volta Naive, per andarli a vedere al loro primo concerto italiano. Ne è passato di tempo, e la band ha sfornato altri singoli di successo come She moves in her own way, Shine On e infine questa Junk of Heart (Happy), una delle canzoni più deboli dell’album, in Italia utilizzata in un spost popolarissimo e quindi destinata a diventare tormentone: quante volte vi siete canticchiati I wanna make you happy, I wanna make you feel live?

Speriamo che questo serva a dare un po’ di visibilità a un album bello inspiegabilmente ignorato in patria.

Se infatti il loro secondo album esordì al numero 1 delle chart inglese, questo si è dovuto accontentare del numero 10, per non parlare del singolo di lancio, Is it me, addirittura fuori TOP 20.

Abbandonato lo stile più arrabbiato degli esordi, e anche le venature punk e ska, il risultato è un rock più tranquillo, canticchiabile eppure ben suonato.

How d’you like it e Killing me sono due pezzi fantastici che già dal primo ascolto rimangono in testa.

GIUDIZIO:

Una Napoli coi colori degli anni '70 per il brillante esordio di Cotroneo

2011-11-23T11:00:00.000+01:00

LA KRYPTONITE NELLA BORSA

DI IVAN COTRONEO

ITALIA, 2011

con Luigi Catani, Valeria Golino, Luca Zingaretti, Cristiana Capotondi, Libero de Rienzo e Fabrizio Gifuni

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Ancora nei nostri cinema

L’esordio di Ivan Controneo, già sceneggiatore di successo per la tv (Tutti pazzi per amore) e il cinema (Mine Vaganti, Io sono l’amore), è una delle migliori sorprese italiane viste quest’anno al cinema.

Per la trasposizione del suo romanzo omonimo Cotroneo ha avuto piena fiducia dalla Indigo Films di Nicola Giuliano (che appare nei panni di un pescatore) e Francesca Cima, il che gli ha permesso di disporre di un buon budget col quale inserire nella soundtrack canzoni di David Bowie e Iggy Pop, contare su ottimi collaboratori come Luca Bigazzi alla fotografia (This Must be the place, Il Gioiellino) e ottimi nonché lanciatissimi interpreti: una meravigliosa Valeria Golino nel ruolo di una mamma e moglie che si abbandona alla depressione dopo aver scoperto il tradimento del marito, un Luca Zingaretti in parte, Cristiana Capotondi e Libero di Rienzo nei panni dei fricchettoni fratelli della Golino. Ma un plauso speciale va ai due esordienti che interpretano rispettivamente il piccolo Peppino protagonista e suo cugino.

Ambientato in una colorata Napoli degli anni ’70, divisa tra famiglia tradizionale e giovani dediti a sesso, droga, rock’n’roll ed emancipazione: la Golino rappresenta la prima, che vive il tradimento del marito come una vergogna talmente grave da smettere di uscire di casa, mentre la seconda è rappresentata dalla Capotondi, femminista che prova ogni genere di esperienza.

Tante risate, qualche momento toccante, qualcuno surreale, buon ritmo, una manciata di battute formidabili e l’effetto è quello di non essere nemmeno di fronte a una commedia italiana, anche se l’aria di Napoli ci fa sempre ricordare il contrario.

Un piccolo miracolo insomma, e in quanto tale destinato inevitabilmente al fallimento: poco più di mezzo milione di euro in 3 settimane, contro, ad esempio, i 10 dell’altra commedia con la Capotondi uscita nello stesso giorno, ovvero La peggior settimana della mia vita. Per non parlare de I Soliti Idioti. Insomma, ogni volta che si parla di cinema italiana bisogna constatare che i film hanno sempre un successo inversamente proporzionale alla loro qualità.

Considerando che oramai questo film lo proiettano in pochi cinema, vi consiglio di andare a vederlo al più presto, perché c'è ancora un cinema italiano da difendere.

VOTO: 7

Il deserto rosso ovvero l'alienazione cromatica di Antonioni

2011-11-17T10:00:00.001+01:00

IL DESERTO ROSSO

di Michelangelo Antonioni

Italia, 1964

con Monica Vitti

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Giuliana (Monica Vitti), reduce da un tentato suicidio e dal conseguente ricovero in una clinica psichiatrica, è una donna strana, a disagio con gli altri, perfino col figlio. L’unico che sembra riuscire a comunicare con lei è l'ingegner Corrado Zeller (Richard Harris), amico e collega di suo marito, ma alla fine, nemmeno con lui riuscirà a stabilire un rapporto normale. Così assistiamo alla silenziosa disperazione una come sempre magnifica Monica Vitti che invano si muove e tenta di comunicare con un mondo che non ne vuole sapere.

Il Deserto rosso è il quarto ed ultimo film della celebre tetralogia di Antonioni, quarta volta per Monica Vitti nei panni di una donna simbolo della nuova società. Qui l'attrice veste i panni di una donna completamente alienata dal resto del mondo, una donna che si è creata una sorta di deserto attorno a sé. L’alienazione, per Marx ed Engels era frutto dell’industria ed è proprio il desolante paesaggio industriale di Ravenna a colpire in modo indelebile la memoria dello spettatore, grazie a sapienti scelte cromatiche. Il Deserto rosso è infatti il primo film a colori di Antonioni, che ha voluto inserire il nome di un colore anche nel titolo:

“Nel film ho cercato di usare il colore in funzione espressiva, nel senso che avendo questo mezzo nuovo in mano, ho fatto ogni sforzo perché questo mezzo mi aiutasse a dare allo spettatore quella suggestione che la scena richiedeva” .

In effetti, nonostante la città di Ravenna sia spettrale, inospitale e avvolta nella nebbia, i colori risaltano più che mai in questa pellicola e servono per descrivere questo nuovo paesaggio che Antonioni vuole descrivere: dopo la Sicilia, Milano e Roma, ora c’è la provincia italiana sopraffatta dal boom industriale, con tutto il grigiore che si porta dietro.

Responsabile della meravigliosa fotografia (Nastro d'Argento) è Carlo Di Palma (1925 –2004), alla prima collaborazione con Antonioni: ed è proprio su questo set che conosce la sua futura compagna Monica Vitti. In seguito Di Palma riceverà altri 3 nastri d’argento con L'armata Brancaleone di Mario Monicelli, Ombre e nebbia e La dea dell'amore di Woody Allen e dirigerà la moglie in tre film.

La celebre battuta pronunciata da una magnifica Monica Vitti «Mi fanno male i capelli» è tratta da una una poesia di Amelia Rosselli (1930-1996).

Ti ho sposato per allegria

2011-11-11T11:12:00.000+01:00

TI HO SPOSATO PER ALLEGRIA

di LUCIANO SALCE

ITALIA, 1967

con Monica Vitti, Giorgio Albertazzi, Maria Grazia Buccella

Nel loro singolare appartamento, una coppia di neosposi tenta di capire le ragioni per cui si sono sposati: lui (Giorgio Albertazzi) è un avvocato, lei (Monica Vitti) una ragazza solare un po’ pazzerella e decisamente sfortunata in amore (tutti gay gli uomini che incontra) che si confida con la domestica (Maria Grazia Buccella) mentre il marito è a un funerale.

Scritta da Natalia Ginzburg (1916-1991), scrittrice e deputata del P.C.I., per l’amica Adriana Asti, allora compagna di Bernardo Bertolucci e protagonista del suo splendido Prima della rivoluzione (1964), in realtà non fu mai interpretata dalla Asti, né a teatro, né al cinema, dove Cecchi Gori preferì scommettere nella nuova immagine di Monica Vitti.

I limiti di un testo teatrale si sentono tutti, anche se è utilizzato ogni espediente per evitarli: dai flashback, decisamente divertenti, a un montaggio e a una musica che tentano di dare ritmo anche laddove non ce n’è. Ma si tratta di un film fatto sostanzialmente di lunghi dialoghi, e tanti tormentoni ripetuti all'infinito, e Monica, come dice giustamente il Morandini “qua e là strafa”.

L’intento di Cecchi Gori è di investire la musa di Antonioni di due nuovi immagini in un colpo solo: quello di commediante e di sex symbol. La Vitti vince entrambe le sfide, e il film sembra tutto un omaggio alle sue innegabili doti recitative e fisiche.

Un film che si rende simpatico grazie anche ai colori e alle atmosfere colorate tipicamente 60’s, con un tripudio di rossi e arancioni, e che vanta una pregevole fotografia.

Memorabile poi l'appartamento in cui fu girato.

IL REGISTA

Luciano Salce (1922-1989).

Fu anche attore teatrale e cinematico prima di diventare regista di film celebri come Il federale (1961), La voglia matta (1962), e soprattutto fu l’artefice di Fantozzi (1975), di cui diresse anche il primo sequel, Il secondo tragico Fantozzi (1976).

GLI ATTORI

Monica Vitti – Sexy, verbosa, nervosa e solare: il film in fondo è tutto per lei.

GIORGIO ALBERTAZZI

Nato nel 1925, Albertazzi è uno degli attori più importanti del nostro teatro. Nel ’60 vinse al Festival di Venezia il premio come miglior attore grazie a L'anno scorso a Marienbad di Alain Resnais. L'ultima sua apparizione cinematografica è nel recente C'è chi dice no, in cui interpreta un perfido preside di facoltà.

MARIA GRAZIA BUCCELLA

Classe 1940, partecipò a Miss Universo 1959 per poi intraprendere la carriera di attrice grazie anche al fidanzamento con Vittorio Cecchi Gori. Grazie a questo film riuscì a vincere addirittura il Nastro d’argento come miglior attrice non protagonista. Partecipò ad altri film importanti, tra cui L’Armata Brancaleone di Mario Monicelli.

Ma merita uno spazio la sua incursione assolutamente scult nel mondo della musica, che vanta titoli imperdibili come il Ballo del Popò, Avanti un altro, Dove vai tutta nuda di cui potete ammirare le imperdibili copertine e ascoltarvi gli audio, per un inizio di giornata all'insegna del trash totale!

M.m.a. (= Madonna mia aiuto!)

2011-11-09T10:00:00.000+01:00

WARRIOR

di Gavin O'Connor,

Uk, 2011

con Tom Hardy, Nick Nolte, Joel Edgerton)

Ora al cinema

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L’acronimo del titolo non è tanto un'allusione letterale al nuovo sciagurato scempio dell’artista un tempo nota come regina del pop (ascoltabile qui ancora per poco in tutto il suo squallore), ma un’invocazione sopraggiunta dopo la visione di un altro film tanto atteso quanto deludente, di cui questa sigla è la parola chiave.

Tommy (Tom Hardy) torna dopo tanti anni dal padre (Nick Nolte), ex alcolizzato nonché allenatore di m.m.a. (mixed martial arts) per chiedergli di allenarlo. Suo fratello Brendan (Joel Edgerton), anche lui allontanatosi dal padre, è un apprezzato professore di un college che si vede pignorata la casa e per racimolare qualche soldo partecipa a un incontro di m.m.a., ma viene scoperto e pertanto è sospeso dall’attività didattica, perché nella scuola non succedeva nulla di così grave dall’11 settembre.

Ma stiamo scherzando? Niente affatto, il meglio deve ancora arrivare: un soldato in Iraq (ah ecco, ci mancava!) riconosce in un video sfocato su Youtube il ragazzo che ha sconfitto un campione: è lo stesso che gli ha salvato la vita. Per assicurarsene riguarda il video del suo salvataggio, nel quale non si vede assolutamente nulla, ma lui è convinto di riconoscerlo e il bello è anche il regista sembra che così lo spettatore ne sia convinto.

Comunque tutto è un pretesto per rappresentare sul ring finale i due fratelli e nonostante lo spettatore lo capisca dalle prime scene, ci vogliono più di due ore per arrivarci .

Uno combatte perché troppo orgoglioso per trasferirsi in una casa più piccola. L’altro invece, vorrebbe dare il cospicuo montepremi (5 milioni di dollari) alla vedova del suo miglior amico, caduto in Iraq. Solo uno di loro vincerà. Voi per chi tifate? Ecco, io tifavo per quello poi ha perso.

Chi si aspettava un film adrenalico e testosteronico rimarrà deluso di fronte a una delle pellicole più leziose di questo anno, talmente bramosa di commuovere lo spettatore da risultare davvero irritante e poco onesta.

Siamo più dalle parti di Rocky, o perfino Never Break Down piuttosto che The Wrestler o Million Dollar Baby. Insomma un film per ragazzini amanti di ogni forma di violenza umana e pronti però a commuoversi con poco.

Una sceneggiatura che sembra presa da un manuale tanto è scontata, studiata e perfettina. Anche il lavoro di montaggio è davvero diligente, il ritmo non manca, però la visione fa davvero voglia di praticare arti marziali miste, ma non tanto perché affascinati dalla pellicola, quanto perché alcune scene risvegliano lo spirito da lottatore che c’è in ogni spettatore che ha perso la pazienza. Un esempio su tutti: la parentesi degli studenti di Brendan, stucchevole a dir poco.

Poi per carità: il regista ci crede e si vede, ed è anche molto bravo a dirigere i propri attori: perfino troppo, considerando lo standard del film.

Al bravissimo Nick Nolte sono affidate le scene più patetiche, Tom Hardy stende gli avversari con il pugno e gli spettatori con lo sguardo, Joel Edgerton mostra doti fisiche e interpretative da tener d’occhio, la graziosissima Jennifer Morrison si agita quanto basta: sono loro l’unico elemento sopra alla media e quindi in qualche modo fuori luogo in un film altrimenti scialbo. Il doppiaggio italiano poi è da denuncia.

VOTO: 6

L'avventura

2011-11-05T10:15:00.001+01:00

L'AVVENTURA

di Michelangelo Antonioni

Italia, 1960

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Tre agiate coppie in gita nelle Isole Eolie, perdono una villeggiante, o meglio, è lei che fa perdere le sue tracce. Si tratta di Anna (Lea Massari), migliore amica di Claudia (Monica Vitti). Incidente? Suicidio? Fuga?

Claudia e Sandro (Gabriele Ferzetti), fidanzato della ragazza scomparsa, si mettono a cercarla nell’entroterra, dimenticandosi presto dello scopo del loro viaggio e innamorandosi.

Li vediamo poi a una festa, dove, come coppia consolidata, ritrovano gli altri villeggianti.

Qui però Sandro tradisce Claudia, proprio come aveva già fatto con Anna.

Poi i due parlano, su un terrazzo, e la vita continua.

Primo film di Antonioni sull’incomunicabilità, duramente deriso dal pubblico alla première, lodato subito dai critici e rimasto nella storia del cinema come uno dei titoli più celebri della settima arte, forse è stato venerato molto di più di quanto sia stato effettivamente visto e amato, simbolo di quel nuovo cinema di nicchia e intellettuale che sarebbe esploso proprio negli anni ’60.

Migliaia di pagine sono state scritte su questa pellicola, quindi ogni mia ulteriore aggiunta è superflua.

Migliaia di pagine sono state scritte su questa pellicola, quindi ogni mia ulteriore aggiunta è superflua.

Posso raccontarvi però le curiosità che avvolgono il film. Le riprese furono davvero un’avventura, durando cinque mesi in cui successe di tutto: un giorno di isolamento sull'isola deserta senza cibo e senza acqua, maltempo, produttori spariti, sciopero della troupe per le mancate retribuzioni.

Poi quando uscì venne deriso dal pubblico del Festival di Cannes.

Monica Vitti ricorda così quel giorno:

Quando uscii ero disperata, piangevo come una bambina, mi sembrava che tutto il mio lavoro e questi mesi non erano serviti a nulla, perché questo film andava nel vuoto, in questa gente che rideva.

Il film alla fine vinse il Premio della Giuria, mentre il Premio principale, quello per il film, andò a La Dolce Vita. Quelli si che erano anni di cinema italiano.

Presentato in Italia come “una superba e orgogliosa opera d’arte”, benché mancante di cinque scene censurate per oscenità, ebbe naturalmente più seguito all’estero, vincendo premi a Vancouver, New York, Parigi.. In Italia si accontentò del Nastro d’Argento per le musiche di Giovanni Fusco.

Da quel momento iniziò l’infatuazione del mondo per la Sicilia, che ebbe poi tanta fortuna nel cinema italiano dei decenni successivi (Nuovo Cinema Paradiso, Mediterraneo). Magnifiche sono infatti, la cattedrale di Noto, le Isole Eolie il San Domenico Palace di Taormina.

Di questo regista e dei tre attori sentirete ancora parlare in questo blog.