Amour, quando il cinema è un atto di violenza

AMOUR 

di Michael Haneke,

Francia/ Austria, 2012

con Jean-Louis Trintignant, Emmanuelle Riva, Isabelle Huppert

 

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TRAMA

Due amabili e amorevoli vecchietti conducono una vita serena e tranquilla, finché lei non viene colpita da una malattia che le farà perdere progressivamente ogni possibilità di muoversi e comunicare. Lui la assiste amorevolmente, molto meglio di quanto faccia l’infermiera, assistendo impotente al deperimento fisico e mentale della persona amata.

RECENSIONE

Haneke, dopo aver dipinto il male nascosto in un villaggio rurale dell’Europa pre-fascista in Il Nastro bianco, vincitore della Palma d’oro a Cannes nel 2009, torna ai giorni nostri per raccontare il male che annienta il corpo e anche questa volta si aggiudica l’ambitissimo premio.

Questa volta l’esplorazione del male avviene tramite l’incursione nel mondo della vecchiaia e della malattia, due universi che l’uomo moderno e di conseguenza il cinema cercano di fuggire, mostrandoci ciò che nessuno vorrebbe vedere. Il regista resta dunque fedelissimo al suo cinema, in cui si cerca sempre di porre lo spettatore in un condizioni di disagio. Questa volta però tra spettatore e protagonista c’è un’empatia particolare, in quanto entrambi assistono impotenti allo stesso straziante spettacolo e così  questa volta l'usuale sadico voyeurismo è giustificato con le cure del personaggio maschile e si arriva perfino a impacchettare il tutto con il titolo “Amour”, anche se forse “Agonia”,“Malattia” o “Vecchiaia” erano molto più consoni, benché meno allettanti.

A livello narrativo Amour si limita a registrare una storia lineare senza nulla di coinvolgente e il tentativo di inserire un elemento lirico nella prevedibile trama si rivela solamente ridicolo (gli episodi col piccione non sono commentabili).

Ciò dispiace perché il film inizia in modo superbo descrivendo questa coppia di ottuagenari deliziosi che si prendono cura uno dell’altra in modo commovente. Purtroppo la protagonista femminile muterà velocemente lasciando il film ai silenzi di Trintignant e ai lamenti insostenibili della Riva, che offre anima e corpo con una generosità quasi insopportabile ma meritevole di ogni riconoscimento. 

Così non è stato: si è preferito premiare l' inferiore (ma comunque ottima) interpretazione di Jean-Louis Trintignant.

In ogni caso per ogni cinefilo è emozionante vedere insieme queste due icone della Nouvelle vague, lui protagonista di Piace a troppi (Et Dieu crea la femme, 1957) di Roger Vadim e lei di Hiroshima mon amour, 1959, di Alain Resnais.

Ma per il resto, il film è una lunghissima e insostenibile esibizione della sofferenza umana, crudele spettacolo a cui tutti purtroppo siamo stati o saremo spettatori, anche senza pagare un biglietto del cinema. 

In conclusione, come la maggior parte di film di Haneke, lo spettatore che entra nel cinema ha la consapevolezza di assistere a uno spettacolo doloroso e insopportabile. Prendere o lasciare.

VOTO: 6-

Il diavolo si nasconde dove meno te l'aspetti..

…E IL DIAVOLO HA RISO

(MADEMOISELLE)

di Tony Richardson

Con Jeanne Moreau, Ettore Manni, Umberto Orsini

Francia/UK/Italia, 1966

Genere: Drammatico

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TRAMA

Quando tutto il paese partecipa a una processione, una donna apre una diga e fa allagare l’intero villaggio. Poi passa in un prato, dove trova una quaglia che sta covando le uova: fatto scappare l’animale schiaccia le uova e prosegue il suo cammino nel bosco. Con dei rami fioriti intreccia una corona e un pastore da lontano le fa notare che è per le ragazzine. La donna, offesa, continua a camminare a arriva finalmente a casa, dove come per prima cosa si toglie le scarpe con tacco alto e le posiziona nell’armadio dove ne custodisce molte altre, tutte dello stesso tipo. 

Con questi pochi minuti il regista ci illustra perfettamente personaggio e situazione: in un piccolo villaggio agricolo una donna, non sposata, si diverte a provocare del male facendo ben attenzione a non farsi scoprire. Subito dopo scopriamo che non si tratta di una donna qualunque: è colei che tutti chiamano semplicemente Mademoiselle, l’insegnante del villaggio che nel tempo libero è pure segretaria del sindaco.

Una persona rispettata da tutti, nonché una donna elegante e di gran fascino. Nessuno sa che questa signorina nasconde tanta cattiveria. Un bracciante italiano e suo figlio, arrivati per un lavoro stagionale, diventano il bersaglio dell’istinto distruttivo della donna, che li farà incolpare di diversi crimini, tra cui incendi e stupro.

PRODUZIONE

C’era grande attesa per questo film ambizioso che vedeva l’incontro di due grandi letterati francesi: una storia di Jean Genet sceneggiata da Marguerite Duras. Come attore maschile inizialmente si era vociferato Marlon Brando, ma alla fine Richardson si dovette accontentare dello sconosciuto attore italiano Ettore Manni. 

ACCOGLIENZA

Il film fu stroncato dalla critica e solo la Moreau si salvò per “l’abilità di essere impeccabile anche nei suoi film peggiori”. 

Liquidarlo come uno dei film peggiori di Jeanne Moreau è un’esagerazione: sicuramente Mademoiselle non è un film del tutto riuscito che smentisce presto l’affascinante incipit per raccontare con poca emozione e troppi simbolismi le gesta di una criminale nascosta sotto le vesti della borghese rispettabile. Le sue gesta riflettono e riassumono quelle dell’interno villaggio: razzista e bigotto ma pronto a scagliare la pietra contro lo straniero.

Rimane un film interessante per gli appassionati di Jean Genet e Marguerite Duras e soprattutto resta un ambizioso esercizio di stile per illustrare come il male può insediarsi nelle persone e nelle comunità più insospettabili. A vantaggio del film va pure il fatto che non si tenta in alcun modo di giustificare il personaggio, man mano sempre più sgradevole pur mantenendo un conturbante fascino.

Da segnalare lo splendido bianco e nero di David Watkin, così come i costumi, premiati col BAFTA.

JEANNE MOREAU

Jeanne Moreau, ancora una volta nei panni di un protagonista negativo,  divenne poi cara amica della scrittrice Marguerite Duras che la volle come protagonista del suo film Nathalie Granger.

La Moreau era anche amica di Jean Genet e vent’anni più tardi fu tra le protagoniste di Querelle, l’ultimo film di Fassbinder tratto da una pièce dello scrittore francese. Nel 2011 Jeanne Moreau ha anche portato in musica una pièce di Genet, Il condannato a morte.

Ma Jeanne Moreau era anche intima del regista Tony Richardson, che un anno dopo avrebbe lasciato per lei la moglie Vanessa Redgrave, entrambe protagoniste del suo film successivo Il marinaio di Gibilterra.

REGISTA

Tony Richardson (1928-1991), regista inglese premio Oscar nel 1964 per Tom Jones.

 

Il giorno può anche essere speciale, il film no!

 UN GIORNO SPECIALE

 di Francesca Comencini

Italia, 2012,

con Giulia Valentini, Filippo Scicchitano 

Genere: Commedia drammatica

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Storia di due vite precarie che si incontrano a Roma in un giorno pieno di promesse per entrambe.

Lei è una ragazza carina, con una mamma che la prepara, orgogliosa e agitatissima, per il suo grande giorno: quello in cui concederà delle prestazioni sessuali a un senatore nella speranza di ottenere in cambio qualche lavoro come attrice.

Lui è un ragazzo carino al suo primo giorno di lavoro come autista incaricato di portare l’aspirante showgirl dal senatore.

L’inizio è promettente, il finale furbo, ma sostanzialmente il film non presenta motivi d’interesse, vuoi per la trama scontata e già conosciuta, i dialoghi poco sinceri, i personaggi poco incisivi.

          

I due attori, lei esordiente e lui già sorprendente protagonista dell’apprezzato Scialla! si impegnano a rendere credibili situazioni e dialoghi che non lo sono, ma non possono fare molto per una sceneggiatura che non rende loro giustizia. In particolare, il personaggio maschile ha un’involuzione che si fatica a comprendere, mentre la protagonista fin dall’inizia rappresenta bene la rassegnazione e la superficialità del personaggio.

Era un film che aveva bisogno di una caratterizzazione dei personaggi molto forte e di scelte registiche originali, elementi che mancano nel nuovo lavoro della regista di Lo spazio bianco e Mi piace lavorare (Mobbing).

Voto: 4,5

Sesso, droga e teste mozzate

LE BELVE

(THE SAVAGES)

di Oliver Stone

USA, 2012

Genere: Azione

USCITA ITALIANA: 25 OTTOBRE

con Taylor Kitsch, Aaron Taylor-Johnson, Blake Lively, John Travolta, Salma Hayek, Benicio del Tero, Emile Hirsch, Demian Bichir.

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TRAMA
A Laguna Beach due ragazzi se la spassano in una lussuosa villa in riva al mare dove condividono l'amore della bella 'O senza alcuna rivalità. Un giorno però ricevono un video di minacce. I due sono i più importanti coltivatori di marijuana della zona e hanno non pochi nemici e rivali... Le cose precipitano quando la loro 'O viene rapita: i due sono disposti a qualsiasi cosa pur di averla indietro.

RECENSIONE
Oliver Stone torna a esplorare le vie del male e questa volta lo fa attraverso le forme di un amorevole e bellissima mamma che non esita a far decapitare debitori e traditori e attraverso due bei giovani disposti a tutto pur di salvare la propria amata. 

I due vivono una vita composta da sesso (a tre), cocktail e spiaggia, ma nascondono un commercio di stupefacenti che li trascinerà un sanguinoso regolamento di conti.

Nella sua nuova pellicola Stone sostituisce la forma alla sostanza finendo per soffocare sotto l’impalcatura estetica di un film fotografato e montato benissimo.

 

Come action è ottimo, tant’è che la tensione rimane altissima per due ore di fila. Ma alla fine di queste due ore di grande violenza cosa rimane?

Nulla, era solo intrattenimento. Un intrattenimento decisamente pulp, che come Tarantino cerca di mixare violenza e ironia, senza però riuscirci del tutto.  Resta infatti qualcosa di profondamente disturbante, non solo nelle scene gore del film, ma anche nel messaggio del film, che assolve i propri personaggi, tutti assassini redenti.

Il romanzo Le belve di Don Wislow è stato scritto nel 2010 per metà sotto forma di sceneggiatura, tant’è che quando i produttori ne acquistarono i diritti avevano tra le mani già una mezza sceneggiatura.

Il romanzo fu definito da Stephen King “drammatico, sexy e pieno d’azione” come Butch Cassidy and the Sundance Kid, il film è indubbiamente pieno di azione e tensione, anche sexy in alcune scene, ma manca il vero dramma, sostituito dalla tensione.

Il regista che vinse il Premio Oscar come regista per Platoon e Nato il 4 luglio e come sceneggiatore per Fuga di mezzanotte, conferma la propria parabola discendente con un film estetizzante ma vacuo.

Nel reparto degli attori spicca soprattutto la crudele Helena di Salma Hayek. Anche John Travolta si ritaglia un ruolo azzeccato. Emile Hirsch sembra ormai inspiegabilmente incastrato in piccoli ruoli secondari che non gli fanno giustizia, mentre Taylor Kitsch per la prima volta è diretto da un regista degno di tale nome. Peccato che nel montaggio finale sia stato completamente tagliato il personaggio interpretato da Uma Thurman.

VOTO: 6

- I tuoi uomini ti ameranno anche, cara, ma non ti ameranno mai come si amano loro due, altrimenti non ti condividerebbero.-                                                   Helena a O', alias Salma Hayek a Blake Lively

 

Un'indimenticabile Jeanne Moreau diretta Luis Buñuel

(IL DIARIO DI UNA CAMERIERA)

LE JOURNAL D'UNE FEMME DE CHAMBRE

di Louis Buñuel

Francia/Italia, 1963

con Jeanne Moreau, Michel Piccoli

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Una domestica parigina, Celestine (Jeanne Moreau, Jules et Jim) arriva in una ricca famiglia di campagna composta da una padrona di casa frigida che non accontenta i bisogni sessuali del marito (Michel Piccoli, Habemus Papam) e dal padre di lei che è un feticista. Celestina si muove con abilità in questo ambiente, accontentando le manie feticiste dell’anziano che le chiede di leggere romanzi indossando stivali che lui custodisce gelosamente e provocando ma fuggendo il padrone di casa.

 Ma ci sono altri personaggi con cui si confronta: un giardiniere sovversivo e ripugnante e un poliziotto ugualmente ripugnante, collerico e antisemita.

Cederà alle lusinghe del primo ma finirà per sposare il secondo.

Buñuel come al solito non risparmia nessuno: domestici, ricchi, poliziotti. Ciò che più stupisce però è che non salva nemmeno la protagonista, che man mano diventa sempre più ambigua, per non dire sgradevole. In fondo non è meno meschina degli altri, in fondo tutti pensano solo ai propri interessi.

La Celestine di Jeanne Moreau ci viene presentata infatti maliziosa e smaliziata, sicura di sé, ironica, migliore dei ricchi e dei poveri che ha attorno. In nome della giustizia, arriverà anche a sacrificare il suo corpo, ma il gesto si rivelerà inutile e così cederà al più ripugnante dei suoi pretendenti, l’unico rimasto: lo sgradevole poliziotto, uomo medio razzista e misogino che però la renderà padrona di casa. Celestine diventerà così uguale alla sua ex padrona di casa: frigida e severa col marito, che le fa da servo.

Nel romanzo la cameriera si accasava col domestico, un pari. Il regista spagnolo perché sconvolge questo elemento per criticare anche la propria protagonista. Il romanzo da cui è stato tratto il film è di Octave Mirabeau, col quale Buñuel condivide molti elementi: educazione gesuita, origini borghese e idee politiche sovversive.

Questo film è la prima collaborazione del maestro surrealista con lo scrittore Jean-Claude Carrière (classe 1981) con cui si instaura un sodalizio artistico dal quale nasceranno capolavori come Bella di giorno, La vita lettea, Il fascino discreto della borghesia, Il fantasma della libertà, Questo oscuro oggetto del desiderio. Per Carrière sarà l’inizio di una carriera folgorante, che lo porterà a collaborare più volte con alcuni dei più importanti registi della storia del cinema europeo : Louis Malle (Viva Maria! con Jeanne Moreau, Il ladro, Milou a maggio ), Milos Forman (Taking Off, L’ultimo inquisitore con Natalie Portman). Nel film lo sceneggiatore appare nel ruolo del curato che dispensa consigli sulla condotta sessuale della padrona di casa che non riesce a capire perché il marito voglia più di due rapporti a settimana. 

-L'importante è che voi non proviate mai piacere, signora!-

- Naturalmente, signor curato. -

Reality: un'amara riflessione sul crollo culturale della nostra società

REALITY
di Matteo Garrone,
Italia, 2012
Genere: Dramma
con Aniello Arena, Nando Paone, Nunzia Schiano, Ciro Petrone
 
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Luciano è un pescivendolo amato dai concittadini e dalla famiglia che dopo aver fatto quasi per scherzo un provino per il Grande Fratello rimarrà vittima del terribile virus dell'ossessione di diventare famoso.
Uscendo dalla sala si è accompagnati da un duplice sentimento di tristezza: la malinconia per la storia raccontata, che ci riguarda tutti così da vicino, e l’amarezza per un film che con qualche sforzo in più poteva essere un capolavoro e invece rimane lì sospeso, come il finale della pellicola.

Garrone in ogni caso compone un film potente per immagini, lirismo e significati, capace di omaggiare e riunire con spontaneità e talento il grande cinema italiano di un tempo– il neorealismo, la commedia all'italiana, De Filippo e soprattutto Fellini. Ma Garrone mostra anche a quale condizione si è ridotto il nostro cinema, simboleggiato da Cinecittà, monumento agli anni d'oro del cinema italiano e oggi cumulo di scenografie che cadono a pezzi e set dei provini e riprese del Grande Fratello.

Da Fellini ai reality: perfetta parabola del tonfo culturale a cui oggi siamo spettatori.

Oltre alla satira sociale, che tocca il grottesco proprio come accadeva in Fellini, la cui ombra in Reality è sempre presente, Garrone tenta di mostrare la piaga sociale derivata dai reality show, ma la condisce con troppi lirismi per risultare davvero realistica e convincente.

In ogni caso almeno per un’ora siamo di fronte a un ottimo film, che ci mostra come la lusinga della fama, trasformandosi in ossessione, può rovinare un uomo e un’intera famiglia.

Reality è anche la descrizione - tutt'altro che clinica, di una malattia, di un vero e proprio Calvario che si materializza nella via crucis finale. 
La componente religiosa che Garrone inserisce nella pellicola presenta aspetti interessanti: innanzitutto la denuncia dell’ipocrisia, esemplificata nella scena in cui una signora, in Chiesa, mentre sta pregando mente ai propri interrogatori; poi la parabola di Luciano, non praticante che si avvicina la fede e diventa benefattore per guarire dalla propria ossession.
Gran premio della Giuria all’ultimo Festival di Cannes presieduto da Nanni Moretti.

VOTO: 8-

Virzì si conferma uno dei migliori registi italiani in circolazione

TUTTI I SANTI GIORNI

di Paolo Virzì,

Italia, 2012

con Luca Marinelli, Federica Victoria Caiozzo in arte Thony, Micol Azzurri

Genere: Commedia

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DATA DI USCITA: 11 OTTOBRE

Gli opposti si attraggono e ne sono la dimostrazione Guido (Luca Marinelli) e Antonia (Thony), lui colto, impacciato e fuori dal mondo e dal tempo, lei ragazza disinibita con passato turbolento e il sogno di fare la rockstar sostituito con quello di diventare madre.

I personaggi di Guido e Antonia sono descritti e interpretati talmente bene da entrare subito nel cuore dello spettatore: nelle loro esistenze, nei loro pregi e difetti è facile riconoscersi, ma ciò non significa che siano ordinari. Sono personaggi speciali che si muovono in un mondo banale e volgare, ben rappresentato dai burini da cui sono circondati (i vicini di casa, i clienti del pub). Guido è un uomo di altri tempi, in tutti i sensi, che parla un italiano antico e letterario incomprensibile ai più e colma di attenzioni l’amata e confusionaria compagna che lo ricambia amorevolmente.

Il loro sogno di diventare genitori si scontrerà con la dura realtà e l’iter medico che li trascinerà in un’avventura esilarante e toccante. Ma Antonia, dietro all’apparenza sicura, è un’anima fragile, che non accetta le proprie origini, non sopporta la sua famiglia e nemmeno se stessa, finendo per avere atteggiamenti autodistruttivi. Guido, al contrario, apparentemente goffo e fragile, è in verità sicuro e deciso e sa che la sua Antonia, nonostante tutto, è un essere speciale e lui avrà cura di lei.

 

A due anni da La prima cosa bella, che collezionò lodi per limpidità di scrittura e bravura nella direzione degli attori, Paolo Virzì torna con una storia intimista ispirata a un romanzo (La generazione) del concittadino Simone Lenzi e lascia ancora il segno con un bell’esempio di cinema italiano ben scritto, diretto e interpretato, capace di far sorridere (in questo caso tanto) e commuovere, confermando il fruttuoso sodalizio con Francesco Bruni (anche regista del sorprendente Scialla!). Applausi ai due sconosciuti interpreti, un Luca Marinelli cult e l'esordiente e irresistibile Federica Victoria Caiozzo in arte Thony, nella vita cantante e per l’occasione anche autrice anche delle canzoni del film.

VOTO: 8-

Che guerra sia - Tutta colpa dei distributori

Che succede ai distributori italiani, in preda a una febbre che ha fatto prima anticipare le uscite al giovedì, il che potrebbe essere anche un’idea vincente, e posticipare tutti i film più importanti a questi ultimi mesi del 2012, scelta a dir poco opinabile?

Alcuni dei film più attesi della stagione, come Prometheus, On the road, Moonrise Kingdom, altrove usciti tra maggio e giugno, qui escono tra settembre e dicembre, quando chi li voleva vedere li ha già scaricati o visti da qualche altra parte.

Ma quella che sembra un vero e proprio suicidio è la scelta di congelare i due titoli italiani più attesi (dai cinefili) della stagione, ovvero quelli di Garrone e Bertolucci, presentati a Cannes a maggio e condannati a  partecipare a questa grande gara in cui nessuno vincerà e tutti perderanno.

Infatti tra settembre e novembre sui nostri schermi arriveranno le nuove opere di Bellocchio e Bertolucci, Soldini e Virzì, Garrone, Dario Argento, Castellitto e Gabriele Muccino. Praticamente all’appello mancano solo Sorrentino, Moretti e Ozpetek, ma per il resto, tutto il cinema italiano è condensato in questi due mesi.

Considerato che negli ultimi tempi il nostro cinema ha faticato non poco al box office, condensare tutti questi titoli in un lasso di tempo così ristretto significa condannarli, inevitabilmente, al fallimento. Un fallimento garantito anche dalla competizione con titoli stranieri di grande appeal, come gli ultimi capitoli delle saghe di L’era glaciale, Twilight e  007.

Ma l’aspetto più crudele è proprio che i migliori (e più fortunati) cineasti italiani dovranno scontrarsi tra loro in una guerra fratricida senza esclusione di colpi.